jueves, 4 de diciembre de 2014

Jefferson Airplane - 1967 - Surrealistic Pillow

Se me cae la baba mientras intento plasmar en esta entrada las sensaciones que me produce escuchar a una de las bandas que da sentido y sobre todo color, mucho color, a mi colección musical. Me refiero a la Jefferson Airplane, o lo que viene siendo lo mismo: la esencia de la psicodelia en todos los sentidos. La verdad es que ya tocaba que se dejasen caer por mi espacio bloguero esparciendo sus lisérgicas bondades aunque por unas u otras razones Slick y Cía. se han hecho de rogar. Rendido a la Jefferson Airplane, la banda que fue a la psicodelia lo que el rock es a mi vida, ningún mejor ejemplo que Surrealistic Pillow para mis desvaríos, ya que es sin duda uno de mis discos preferidos de quienes fueron una de las mejores bandas psicodélicas de todos los tiempos y una de las primeras recomendaciones que haría a cualquier hijo de vecino. Una joya surrealista capaz de transportarte a lugares insospechados del subconsciente, llevarte en volandas hasta Haight-Ashbury y sumergirte en la contracultura americana ávida de explorar el mundo.
Entre los hitos logrados por Surrealistic Pillow y por los que es considerado un LP imprescindible destacan tres: 1º: es considerado el álbum clásico del rock psicodélico californiano, 2º: 'White Rabbit' es el himno psicodélico por excelencia de todos los tiempos y 3º Surrealistic Pillow goza del privilegio de ser conocido como 'el álbum del verano del amor', casi nada.




Jefferson Airplane nace en 1965 en la ciudad de San Francisco influenciados por los ritmos folkies de The Byrds, The Beatles y Buffalo Springfield con una formación encabezada por el vocalista Marty Balin y un fogueado Paul Kantner, realizando su primera actuación en el Club Matrix de San Francisco, propiedad de Balin, un 13 de agosto. Se puede decir que sería el modesto Club Matrix (por donde también pasarían unos incipientes The Butterfiel Blues Band, The Charlatans, Big Brother & The Holding Company, Grateful Dead o Quicksilver Messenger Service) el que les daría la oportunidad de revelar su propuesta a un público ávido de nuevos sonidos y por el cual conseguirían su primer contrato discográfica con el poderoso sello RCA (por unos 25.000$!) siendo, además de pioneros del movimiento psicodélico, una de las primeras bandas del Frisco en gozar de éxito.

La primera formación seria de los Airplane fue la integrada por Kantner y Balin junto al guitarrista y vocal Jorma Kaukonen, Jack Cassady al bajo, la vocalista Signe Toly Anderson y Skip Spence a la batería, con la que publicarían su debut discográfico: Jefferson Airplane Takes Off  en agosto de 1966. La querencia de Balin y su pasado folky harían que en Takes Off predominasen los aires folk rock pasando bastante desapercibido entre el público en general aunque sería un correcto esbozo de lo que estaba por llegar y con temas tan logrados como 'Blues From An Airplane', 'It's No Secret', 'Bringing Me Down' o 'Chauffeur Blues'. Tras su publicación se producirían movimientos importantes en el devenir de la banda. Por un lado Signe Anderson, y su embarazo, dejaba su hueco para una joven modelo y vocalista Grace Slick proveniente de The Great Society. Y por otro Skip Spence instigado por el "amigo" Matew Kantz decidió bajarse del aeroplano para embarcarse en un nuevo proyecto: Moby Grape, sustituido por Spencer Dryden ex miembro de The Ashes.



Con la llegada de Slick la banda realizó un viraje hacia un rock más eléctrico que no pudo ser más brillante que Surrealistic Pillow, un LP que mantenía los sonidos folkies pero con especial protagonismo de una floreciente psicodelia. Grace Slick trajo consigo, además de su poderosa voz y su belleza, dos composiciones de su anterior banda y que se convertirían automáticamente en dos puñales para la banda e himnos de la contracultura: 'Somebody To Love' y 'White Rabbit'.


Surrealistic Pillow fue grabado en los estudios RCA en Hollywood en apenas 19 días a finales de 1966 y publicado en febrero del '67. Producido por Rick Jarrard destaca el misterioso papel de consejero musical y espiritual de Jerry Garcia, a quien se apunta como artífice del majestuoso título del LP. Un título que te hace soñar, imaginarte surcando universos paralelos abrazado a esa almohada que cada noche te aconseja y te reconforta entre ronquidos y bostezos. Y que decir de la portada...., mitificada actualmente es una foto hecha, como no podía ser menos, en el club Matrix que les vio nacer.


En pleno verano del amor Surrealistic Pillow fue la banda sonora para toda una generación hippie que anhelaba un cambio y lo buscaban en la experimentación, extendiéndose como la pólvora por toda la bahía de San Francisco los ácidos sonidos y mensajes de la Jefferson Airplane.
Esta almohada surrealista también es uno de los mayores exponentes del denominado sonido del Frisco y emblema de la lisergia con sus temas sobre drogas y sexo explícitamente narradas. Clímax de la banda, el reparto compositivo entre Slick, Balin, Kantner y Kaukonen da la justa contraposición a la grabación manteniéndose controlados los egos de todos los integrantes del aeroplano, si bien se echa en falta más protagonismo vocal de Slick. Un disco variado del que se aprovecha todo, rayando la perfección como pocos elepés y que me acompaña como uno de mis más fieles compañeros.



El álbum se inicia con la sensacional 'She Has Funny Cars' que entra suavemente  entre los punteos ácidos de Kaukonen. Primer momento álgido, si bien todo el disco lo es, con 'Somebody To Love' canción de Darby Slick, cuñado de Grace, y que llegarían a publicar como single como The Great Society con Autumn Records en febrero del '66. Un tema rockero de puro sonido Frisco y que letra en mano todos quisimos responder a Grace. Una canción de amor un poco desesperante donde el poderío e intensidad vocal de Slick hacen que todo a su alrededor desaparezca. Fue además el primer single del disco alcanzando el #5 en los US charts. Y llegamos a uno de mis momentos preferidos con la dulce y melódica oda hippie 'My Best Friend' de Skip Spence (un regalito de despedida?) con un gran juego vocal previa bajada de revoluciones con un par de baladas a la armoniosa voz de Marty Balin y prescindiendo del torbellino Slick. En la primera, la delicada 'Today' colabora Jerry Garcia a la guitarra mientras que 'Comin' Back To Me', el tema más largo del LP que cierra la cara A, nos ofrece al Balin más bucólico e intimista a la acústica.



La cara B se abre con la rockera '3/5 Of A Mile In A 10 Seconds',  más ácido con 'DCBA.-25' y su extraño título que viene a ser una mezcla entre la progresión de acordes y el LSD 25. Turno para la armoniosa 'How Do You Feel' con Balin, Slick y Kantner. Le sigue 'Embryonic Journey' un corte instrumental de Jarmy Kaukonen por el cual profeso gran admiración y la cual me levanta el ánimo con sus escasos dos minutos de duración. Llegamos a 'White Rabbit' segundo single del plástico y la interpretación de Grace Slick sobre Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll y los efectos de las sustancias psicotrópicas que le inspiró para componer una de las canciones más clásicas del rock psicodélico. Fue una de las primeras canciones en hacer referencia explícita al consumo de alucinógenos marcando un antes y después. Desde la entrada de Slick con ese "One pill..." y la modulación de su voz todo adquiere otra dimensión y es imposible no caer rendido ante la poderosa vocalista. Y cierra este viaje hipnótico la lisérgica 'Plastic Fantastic Lover' uno de los cortes inseparables dentro de su set, y que vaticinó, premonitoriamente, toda esta vorágine consumista y de distracción que nos rodea.



El ascenso mediático conseguido con Surrealistic Pillow fue más allá de la costa oeste consiguiendo participar en todo tipo de eventos como el legendario Monterey Pop Festival en junio del '67 o su legendario y famoso paso por The Smothers Brothers Comedy Hour con su novedosa iluminación psicodélica presentando 'Somebody To Love' y 'White Rabbit'.
Sin dudas Surrealistic Pillow es el disco que mejor representa la esencia hippie de la convulsa escena del Frisco de finales de los '60 y una auténtica obra maestra del rock psicodélico. Su siguiente LP, After Bathing At Baxter's, tendría un claro carácter experimental profundizando su faceta psicodélica y alejándose de lo comercial. Aún sin hits claros la popularidad de la banda continuo latente durante años.
To be continued...


The Jefferson Airplane:




Grace Slick - Vocals, Piano & Organ
Marty Balin - Guitar & Vocals
Paul Kantner - Rhythm Guitar & Vocals
Jorma Kaukonen - Lead Guitar & Vocals
Spencer Dryden - Drums & Percussion
Jack Casady - Bass


Track List:


Side 1:

01 - She Has Funny Cars (Balin/Kaukonen)
02 - Somebody To Love (Darby Slick)
03 - My Best Friend (Skip Spence)
04 - Today (Balin/Kantner)
05 - Comin' Back To Me (Balin)

Side 2:

01 - 3/5 Of A Mile In A 10 Seconds (Balin)
02 - D.C.B.A. 25 (Kantner)
03 - How Do You Feel (Tom Mastín)
04 - Embryonic Journey (Kaukonen)
05 - White Rabbit (Grace Slick)
06 - Plastic Fantastic Love (Balin)



jueves, 27 de noviembre de 2014

Bachman-Turner Overdrive - 1974 - Not Fragile

Como lo prometido es deuda y como dije en la aquella entrada del II de la BTO... llegó la hora de poner la directa, desempolvar ese viejo vinilo, cogerlo con mimo, dejar caer la aguja suavemente y mientras subes el volumen notarás como los primeros acordes de uno de los álbums perfectos que guardo, recorren tu cuerpo edulcorando el ambiente a viejo rock 'n roll sin poder de parar de pensar que si el rock es tu vida, este es uno de los discos que le dan sentido. De regreso a la realidad, hoy recupero para mi pequeño espacio bloguero el auténtico espíritu del hit, con respeto de la Creedence, con este Not Fragile de la Bachman-Turner Overdrive, tercer disco de los de Winnipeg y auténtica obra maestra que los pondría en órbita.

Hard rock a prueba de golpes!!!
Después de un productivo 1973 con la publicación de dos buenos elepés y con la inercia del éxito, Bachman-Turner Overdrive publicaría su disco más notorio: Not Fragile, grabado en los Sound City de California con Randy Bachman nuevamente en tareas de producción y publicado por el sello Mercury en agosto de 1974. Not Fragile supondría el despegue definitivo de los canadienses a base de exitosos singles y conciertos masivos. No en vano estamos ante su mejor disco y uno de los grandes discos de la historia del rock, en el que encontrarían la mezcla perfecta entre virtuosismo y comercialidad acompañado de grandes composiciones como 'Roll On Down The Highway', 'Sledgehammer' o el hit entre hits 'You Ain't Seen Nothing Yet'. Un disco imprescindible en cualquier buena colección que se precie.


Mientras la dupla Randy/Turner proseguía su crecimiento musical el mediano de los Bachman, Tim Bachman dejaría la banda para concentrarse en su familia y su carrera como productor musical, después de la publicación de su segundo Lp. Su sustituto sería Blair Thornton el cual se convertiría rápidamente en un pilar dentro de la BTO, formando una gran pareja de guitarras con Randy. El inquebrantable sonido de la banda se hizo más metálico respecto a su anterior lanzamiento en Not Fragile, y para la portada tiraron de ironía haciendo un juego con una caja llena de engranajes bajo la indicación de no frágil demostrando el poderío de su propuesta a prueba de choques. Algo que fue un ataque directo a otras bandas de la época y especialmente una parodia a Yes y su disco Fragile (1971, Atlantic).




La banda alcanzaría su punto de cocción ideal para este Lp, con un enérgico sonido y una sección rítmica poderosa y con Randy Bachman superstar, rebosando riffs míticos y ruidosas melodías vocales y bien secundado por el nuevo hacha Blair Thornton, para facturar su obra maestra, un álbum que raya la perfección.
Desmontando el álbum toca comenzar con la inicial 'Not  Fragile' la cual además de dar nombre al tercer trabajo de los de Winnipeg sirve como lanzadera con el aguerrido bajo de Turner y unos grandes riffs de guitarra, le sigue la idealmentetitulada 'Rock Is My Life, And This Is My Song' una oda hardrockera 100% BTO ideal para el directo y toda una declaración de intenciones. Turno para la maravillosa 'Rock On Down The Highway' un tema festivo que pide un turn up max. del reproductor y la legendaria y adictiva 'You Ain't Seen Nothing Yet' ambas lanzadas como single alcanzando el nº1 en las listas US como tambien haría el Lp. Momento sentimental con la blusera 'Free Wheelin'' un apasionante tema instrumental tributo a Duane Allman en la que Randy y Blair se lucen con sus guitarras. Otra de las canciones destacadas es sin dudas el medio tiempo machacón 'Sledgehammer', apasionante tema hardrockero (No matter where you are!) seguido por  'Blue Moanin'' canción con acento bluesy que pone la pausa mientras que 'Second Hand' nos devuelve al blues rock con intensos solos de guitarra. Cierra Not Fragile 'Givin' It All Away' con unos espléndidos punteos y voces en cascada imprimiendo melodía al tema.


La BTO seguiría lanzando buenos discos con los que mantener su estatus de estrellas del rock con sus lógicas subidas y bajadas hasta que en 1977 Randy Bachman decidió abandonar el proyecto en contra de la voluntad del resto de la banda lo que supuso los conocidos problemas legales con el nombre de la banda. Aunque la marca BTO ya era demasiado conocida como para que cayese en el ostracismo y perdiera el reconocimiento de marca ganada a pulso de single a single...


Bachman-Turner Overdrive:



Randy Bachman - Guitar & Vocals
Blair Thornton - Guitar & Vocals
Fred Turner - Bass & Vocals
Robbie Bachman - Drums & Percussion


Track List:

Side One:

1. Not Fragile (Turner)
2. Rock Is My Life, And This Is My Song (Randy Bachman)
3. Roll On Down The Highway (Turner/Rob Bachman)
4. You Ain't Seen Nothing Yet (Randy Bachman)
5. Free Wheelin' (Thornton)

Side Two:

1. Sledgehammer (Randy Bachman)
2. Blue Moanin' (Turner)
3. Second Hand (Randy Bachman)
4. Givin' It All Away (Thornton)

miércoles, 12 de noviembre de 2014

Blue Cheer - 1968 - Vincebus Eruptum

De regreso a mi década predilecta toca dirigirse hacia la prolífica escena californiana para constatar que había vida más lejos de la psicodelia hippie del Frisco. Allí surgieron Blue Cheer a base de decibelios y fuerza instrumental para asentar las bases del rock más pesado. Y aunque por aquel entonces grupos como Cream o The Jimi Hendrix Experience estaban pegando fuerte y son también citados como precursores de los sonidos más duros, sus raíces bluesies les distanciarían de la ruidosa propuesta de Blue Cheer sembrando los cimientos que bandas como Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin desarrollarían en sus distintas vertientes a partir de ese mismo año 1968.

El lado oscuro del Frisco psicodélico
Los inicios de Blue Cheer se remontan a 1966 pero el momento definitorio en la consolidación de la banda sería la memorable actuación de The Jimi Hendrix Experience en el Monterey Pop Festival que hizo al grupo replantearse su futuro reduciendo su formato (en su origen eran 6 integrantes) a power trio con Dickie Peterson al bajo y voces, Leight Stephens a la guitarra y Paul Whaley a la batería.
Blue Cheer, como la mayoría de las bandas de los '60, se sumergiría de lleno en los efectos de las sustancias ácidas que circulaban por las calles como dejan constancia en algunos temas y en el propio nombre de la banda que hace referencia a una variedad de LSD promovida por Owsley Stanley, afamado químico y padrino musical de The Grateful Dead.

Con un mánager que era miembro de los ángeles del infierno llamado Gut, Blue Cheer eran conocidos como la banda más ruidosa de la época por poner sus equipos de sonido al máximo volumen, sus riffs graves y esa batería agresiva e irascible. Blue Cheer fueron pioneros en construir murallas de amplificadores Marshall para sus actuaciones que se pondría de moda en los 70.

Vincebus Eruptum publicado en enero de 1968 con Philips Records es el demoledor álbum debut de Blue Cheer a base de poderoso garage, stoner y blues ácido y en el que su sonido se desmarca del psychedelic rock hacia terrenos más pesados y oscuros. Producido por Abe 'Voco' Kesh, quien les conseguiría su primer contrato discográfico con Philips, Vincebus Eruptum rebosa decibelios y fuerza con tres jóvenes sin demasiada técnica pero de enorme influencia como precursores del metal. El disco destaca claramente por las guitarras hirientes y distorsionadas de Stephens y los bestiales golpes de Whaley sobre su ruidosa batería asistido por las crudas notas que suelta el bajo de Peterson que dan forma a la abrumadora sección rítmica, y todo ello aderezado con la lacerada voz de Peterson. Garage, punk, stoner, grunge, hard rock, heavy... crudeza y brutalidad a raudales en los seis temas que componen el Lp de temática desinhibida.


El álbum se divide en dos partes: la primera constituida por versiones y capitaneada por la gran versión del 'Summertime Blues' de Eddie Cochran donde incluyen el riff de 'Foxy Lady' y que sería su mayor hit y lanzado como single, el exasperado tributo a la blusera 'Rock Me Baby' de B.B. King y 'Parchment Farm' adaptación del conocido tema de Mose Allison llevada al terreno de la banda con un Stephens sublime. La segunda parte son las composiciones propias de Dickie Peterson con tres grandes cortes como el clásico 'Out Of Focus' con un riff pegadizo de claro aroma hendrixiano, la divertida 'Please Doctor' en la que Peterson ahonda en el mundo del LSD y 'Second Time Around' canción que cierra el plástico con solo de batería y jam distorsionada sumergiéndonos en el caos final.



El moderado éxito cosechado con Vincebus Eruptum sería tan solo secundado por su segundo LP publicado en agosto del mismo año '68 Outsideinside, que seguía los derroteros de su primer lanzamiento y lo que supondría su momento de mayor éxito tocando con las bandas más grandes de la época como Cream, Jefferson Airplane, The Jimi Hendrix Experience, Big Brother & The Holding Company, The Doors o Pink Floyd. La salida de Leight Stephens después de la publicación de Outsideinside traería la inestabilidad al seno de la banda y una pérdida total de identidad que les llevaría a la deriva con constantes cambios de formación y discos sin apenas historia.




 

 

 

Blue Cheer:

 

Dickie Peterson - Vocals & Bass
Leigh Stephens - Guitar
Paul Whaley - Drums


Track Listing:

Side 1:
1 - Summertime Blues
2 - Rock Me Baby
3 - Doctor Please

Side 2:
1 - Out Of Focus
2 - Parchment Farm
3 - Second Time Around


miércoles, 29 de octubre de 2014

Lou Reed - 1972 - Transformer

En días como estos con la pérdida tan reciente e inesperada del gran Jack Bruce toca levantarse y mirar para adelante y continuar con este mi pequeño espacio de esparcimiento. Y como si de una premonición se tratase, esta semana tenía en mente hacer mi pequeño homenaje a otra leyenda del rock ahora que se cumple el primer aniversario de su pasamiento. Toca rendir tributo a una figura tan clave como Lou Reed, amado y odiado por igual. Aunque en un principio sopesé decidirme por algo con The Velvet Underground, finalmente creí más acertado dedicar la entrada a alguna de sus maravillas en solitario. Y pese a que siempre fui un poco reacio a sus discos por la fijación tan grande que tuve por The Velvet Underground y su explosión sonora que me iluminó entre tanta sombra, el tiempo hizo que poco a poco me fuese abriendo a todos esos discos que a lo largo de 4 décadas nos ha regalado, y después de darle algunas vueltas y extravagancias a un lado, me he decidido por uno de sus discos más grandes: Transformer.

Lou said: hey guy, take a walk on the wild side!
El impacto musical que me causaron los primeros discos de la Velvet no tiene parangón. Entre tantas flores y hippies escuchar a la Reed & Cía. con su lacónico pesimismo y aires tenebrosos era una ventana al más allá, distanciado? sí! pero lleno de matices y atmósferas desconocidas que ansiaba descubrir enfermizamente por lo que pensar en que había vida lejos de The Velvet Underground se antojaba muy difícil. Pero dejar la abnegación y la tozudez me demostró que no solo existía vida sino que había otro mundo maravilloso por descubrir en los elepés de John Cale y especialmente en Lou Reed. Y aunque no es menos cierto que Reed tiene discos de todos los colores, algunos que nunca podré digerir y que no quiero mentar, si que he llegado a admirar obras como Berlin, Coney Island Baby, The Blue Mask, New York mi preferido o el Rock 'n Roll Animal. Con su sombría capa de poeta de calle neoyorkino que habitó en el lado oscuro tuvo sus escarceos en discos como Transformer, el cual sin ser lo mejor que ha hecho si contiene algunas de sus canciones emblema como 'Vicious' o 'Walk On The Wide Side'. Musical y estilísticamente hablando no es con el que más me identifico pero cronológicamente es el primer Lp que quiero rescatar para el blog.


En 1970 Lou Reed abandonaría The Velvet Underground alejándose de toda esa vorágine vanguardista que le acechaba buscando refugio en la casa de sus padres de Long Island hasta que en 1972 comenzaría su propia singladura en solitario lanzando su disco homónimo con material que había compuesto en buena parte para su anterior banda. Un disco sin demasiada historia y decepcionante si atendemos a su pasado, pero llegaría David Bowie de la mano con Mick Ronson (quien suele quedar bastante a la sombra pero el auténtico arreglista de las pobres composiciones que tanto Lou como David les traían) con el glam, el postureo y la ambigüedad para relanzar a un Reed que estaba en un callejón sin salida y convertirle en un rock star. Transformer fue publicado a finales del '72 con RCA y supuso un viraje hacia lo accesible dejando su lado más experimental aparcado para bajo la batuta de un Bowie, quien nunca me ha simpatizado, abrazar las mieles del éxito. Y a expensas de ser vilipendiado reconozco que siempre he sido reticente a la figura de Ziggy Stardust y al glam rock  pero tampoco se puede negar lo evidente y rendirse ante algunos de los elepés que llevan esa seña de identidad. Aunque hace unos años era menos permisivo y tolerante la edad me hizo ver las cosas desde otro punto de vista más amplio y objetivo para apreciar ciertas cosas aunque manteniendo cierto recelo. Pero bueno si eso ya expondré mis conclusiones y pareceres sobre el tema algún día en una entrada sobre Bowie y sus lacayos del glam.


Si bien la temática sobre los submundos de Reed siguen bastante presentes en Transformer la teatralidad añadida del glam rock hace emerger canciones como la visceral 'Vicious' a la que Ronson imprime esos punteos de guitarra tan reconocibles, la rockanrrolera 'Hangin' Round', el exitoso single 'Walk On The Wild Side' haciendo un repaso a los personajes que rondaban The Factory , una joyita como 'Perfect Day' cuyo final da un vuelco a la realidad ("You're going to reap just what you sow"), las melodías de 'Satellite Of Love', 'Make Up' un mano a mano entre Lou y la tuba de Herbie Flowers o 'New York Telephone Converasation' de extravagantes aires de cabaret acompañándose de Bowie. Definitivamente el álbum perfecto para iniciar la singladura por el Lou Reed en solitario y que hará las delicias de cualquier amante de la buena música.


Con algún que otro momento pomposo en un variado álbum como Transformer encontramos algunas de las canciones más destacables de la carrera de Reed. Su siguiente Lp Berlin sería un ambicioso proyecto que no tendría todo el reconocimiento que se merece y en el que por cierto Jack Bruce trabajó como músico de sesión. La ruptura estilística como máxima siguió abriéndose camino a lo largo de su discografía y en próximas publicaciones intentaré dar muestra de ello para adentrarse un poco más en el personaje Lou Reed.

Lou Reed band:

Lou Reed - Guitar & Vocals
Mick Ronson - Lead Guitar, Piano & Vocals
Herbie Flowers - Bass & Tuba
John Halsey - Drums


Track list:

Side 1:
1 - Vicious
2 - Andy's Chest
3 - Perfect Day
4 - Hangin' Round
5 - Walk On The Wild Side


Side 2:
1 - Make Up
2 - Satellite Of Love
3 - Wagon Wheel
4 - New York Telephone Conversation
5 - I'm So Free
6 - Goodnight Ladies

domingo, 26 de octubre de 2014

Goodbye Jack Bruce

Aún con el madito cambio horario a vueltas una noticia me ha dejado helado de buena mañana. Aprovechando que tenía esa hora de margen me he ido de viaje por la red cuando de repente y como una losa aparece la triste noticia del fallecimiento de Jack Bruce. No termino de asimilarlo, el bueno de Bruce por el que siempre he profesado una enorme devoción se nos va después de tantas canciones que como una premonición ha ido esparciendo a lo largo de tantos años a bordo de un tren por esos railes de plata de su último Lp.
John Symon Asher "Jack" Bruce (14 May 1943 – 25 October 2014)

El legendario bajista y cantante es considerado uno de los músicos más influyentes de las islas británicas de todos los tiempos. Amante del blues y del jazz estuvo en las filas de The Graham Bond Organisation o John Mayall & The Bluesbreakers, antes de embarcarse en la banda con la que lo consiguió todo y por la que siempre será recordado: Cream. A partir de 1969 Jack Bruce comenzaría un discreto periplo en solitario regalándonos grandes discos como Songs For A Tailor, Harmony Row o su último Silver Rails publicado tan solo hace unos meses. Su pasión por la música lo llevo a embarcarse en todo tipo de proyectos destacando sus uniones con los Mountain Leslie West y Corky Laing a principios de los setenta y BBM, con Gary Moore y su amigo Ginger Baker en los '90 evocando el espíritu de los Cream.
Se nos ha ido uno de los tipos a los que más he admirado desde que tengo recuerdos del siempre me ha cautivado su manera de tocar el bajo y su poderío vocal. Escuchar el Wheels Of Fire mientras escribo esto lo hace un poco más sencillo por asi decirlo. Grande Bruce! RIP Jack

"It is with great sadness that we, Jack’s family, announce the passing of our beloved Jack: husband, father, granddad, and all round legend. The world of music will be a poorer place without him, but he lives on in his music and forever in our hearts."

miércoles, 22 de octubre de 2014

The Georgia Satellites - 1988 - Open All Night

En semanas de desazón toca ponerse las pilas y seguir encontrando tiempo para proseguir el camino andado con el blog. Y buscando el reencuentro llegan The Georgia Satellites, banda por la que tuve un flipe especial hace años con parte de su discografía y que reviviendo la compra casual del Open All Night he decidido rescatar para volver a sucumbir a sus encantos entre los surcos cada vez más desgastados de mí ya rayado vinilo. Diversión y rock and roll que no te dejarán indiferente a base de riffs sureños!!


Los inicios de la banda se remontan a principios de los 80 en Atlanta, Georgia como Keith & The Satellites para poco después pasar a ser The Georgia Satellites y grabar sus primeras canciones en los Axis Studios. Es en este punto donde toma especial relevancia el papel de su manager Kevin Jennings quien con la banda casi disuelta lleva las grabaciones al otro lado del charco a un pequeño sello inglés llamado Making Waves, quienes publicarían en 1985 el Ep Keep The Faith con temas como 'Red Light' o 'Keep Your Hands To Yourself'. Las buenas críticas hacen que la banda se vuelva a reunir con Rick Richards y Dan Baird a la cabeza, firmando con la poderosa Elektra Records y grabando su primer y más reconocido Lp The Georgia Satellites que contenía su mega hit 'Keep Your Hands To Yourself' con el que alcanzarían el nº2 de las listas solo superados por el 'Livin' On A Prayer' de Bon Jovi. Otros temas a recordar de su primer Lp son 'Battelship Chains', 'Red Light' o 'Over and Over'.
 
Con el camino allanado llegaría el disco al que hoy quiero hacer referencia, este Open All Night de 1988 que no desmerece ni mucho menos el impacto de su predecesor pero con el que no conseguirían ni mucho menos, la misma repercusión. Repleto de rock sin artificios, temas directos y enérgicos, de la vieja escuela y con un halo sureño innegable como 'Open All Night', 'Sheila', las versiones de 'Whole Lotta Shakin'' de Little Richard y 'Don't Pass Me By' de The Beatles (con la colaboración al piano de Ian McLagan), 'Mon Cheri' o 'Dunk 'n' Dine', este segundo Lp de los de Atlanta ha envejecido en mi colección con mucho peso. Algo bastante diferente a lo que supuso en su día, ya que pese a tratarse de otro gran álbum la ausencia de un single de éxito, con la moderada excepción de 'Open All Night', terminaría acelerando el deterioro de los satellites.



Solo fueron tres discos pero con suficiente calado, Georgia Satellites su impactante debut y una joya, Open All Night con alguna que otra sobra del primero y la consagración e In The Land Of Salvation And Sin su gran despedida cuando la banda ya estaba inmersa en una lucha personal e interna insostenible.
The Georgia Satellites fue una banda que lo tenía todo para triunfar y que por unas u otras razones se quedaron a medio camino de hacerlo, puede que no fuese el momento idóneo ya que las modas suelen arrastrarte a su bando o a la cuneta, y The Georgia Satellites era rock and roll en estado puro en unos años en los que reinaban otros estilos musicales. Actualmente y visto con perspectiva todo debió ser bien distinto en tantas cosas que resulta hasta incomprensible tal fascinación. Pero siendo positivos al menos podemos seguirles la pista a gente tan auténtica como Dan Baird con sus Homemade Sin que ya no es poca cosa.

 

The Georgia Satellites:



Dan Baird - Guitar & Vocals
Rick Richards - Guitar & Vocals
Rick Price - Bass & Vocals
Mauro Magellan - Drums


Track Listing:

Side One:

1 - Open All Night
2 - Sheila
3 - Whole Lotta Shakin'
4 - Cool Inside
5 - Don't Pass Me By
6 - My Baby

Side Two:

1 - Mon Cheri
2 - Down And Down
3 - Dunk 'n' Dine
4 - Baby So Fine
5 - Hand To Mouth

miércoles, 15 de octubre de 2014

The Answer - 2006 - Rise

Leía hace unos días en el truiter de Eldorado que habían coincidido con The Answer en Madrid donde están grabando la continuación de New Horizon y el que será su quinto Lp y no me he resistido a echar la vista atrás hasta este maravilloso Rise con el que se hicieron un hueco en el panorama rocanrolero y rescatarlo. Recuerdo perfectamente como conocí a The Answer hace ya unos años. Para mí que soy muy fan de Thin Lizzy y de Phil Lynott en especial, escuchar que una banda irlandesa que hace hard rock blues es lanzada publicitariamente como los nuevos salvadores del rock mundial y son teloneros de una banda de la talla de AC/DC, cuanto menos me resulta tentador. Y de esta forma quien va a resistirse? Yo no pude, claro está! Así que me hice con Rise, su debut con nada menos que Albert Productions, algo que presagiaba buen material, y comienzo a escucharlo. Lo primero que hay que destacar es que el inicio del Lp con la potente 'Under The Sky' te noquea para al menos tres semanas haciéndose imposible prescindir de al menos una escucha diaria del citado tema. Pero la cosa no se queda ahí porque el disco es un auténtico clásico de principio a fin.

Rise: el inicio de una realidad
Haciendo historia The Answer son una banda de Irlanda del Norte formados en el año 2000 fuertemente influenciados por grupos de los setenta como Led Zeppelin, AC/DC, o Free y otros más actuales como The Black Crowes y que con su primer álbum consiguieron ponerse en lo más alto del panorama rockero. Con una formación clásica liderados por el espectacular frontman Neeson Cormac, el no menos brillante guitarrista Paul Mahon, el bajista Micky Waters y el batería James Heatley, Rise se puede catalogar como todo un clasicazo de hard rock blues del siglo XXI.


El comienzo del Lp con el primer single 'Under The Sky' es bestial. Un tema que no te quitas de la cabeza durante meses con un Cormac increíble. Turno para que Mahon se recree con su guitarra, wah-wah incluido, en un tema machacón de los norirlandeses como 'Never Too Late'. 'Come Follow Me' es otro incendiario corte de gran potencia y rapidez. Momento ahora para un delicioso medio tiempo de sonido más limpio y blues rock titulado 'Be What You Want'. Una tema blues y muy Zeppelin como 'Memphis Water' donde Cormac se descubre nuevamente como un vocalista magnífico. Vuelta al frenesí hard rock con los primeros coros en 'No Questions Asked'. El riff inicial de 'Into The Gutter' rezuma zeppelin por todos lados. Un tema que suena a clásico de The Answer y cierto es que es un gran tema de hard rock en la onda de AC/DC. 'Sometimes Love You' otro pedazo de tema donde tanto la parte melódica como la contundente brillan por igual. El ritmo no decae ni mucho menos con 'Leavin' Today' y su pegadizo estribillo. Los iniciales aires bluseros de 'Preachin'' desembocan en un tema casi gospel que imprimen los coros femeninos. Y cerrando el disco la balada del mismo, 'Always' un tema emotivo y que da el único respiro a un Lp genuino de rock añejo pero fechado en el 2006.



Rise fue el pistoletazo de salida de Cormac & Cía. por el que acapararon las miradas de todos pero disco a disco han demostrado que no se trataba de flor de un día. The Answer se han convertido por méritos propios en toda una referencia y mientras apaciguamos la esperapor ese ansiado #album5, como han hastageado hasta la fecha, nada como recrearse con sus anteriores grabaciones.

 

Track List:

1. Under The Sky
2. Never Too Late
3. Come Follow Me
4. Be What You Want
5. Memphis Water
6. No Questions Asked
7. Into The Gutter
8. Sometimes Your Love
9. Leavin’ Today
10. Preachin’
11. Always


jueves, 2 de octubre de 2014

Three Seasons - 2014 - Grow

Por una razón logística el nuevo disco de Three Seasons, uno de los discos al que más ganas tenía de echarle el guante, se ha hecho de rogar. Y si, la impaciencia se podía palpar después de que me encandilasen con sus anteriores álbums Life's Road (2011) y Understand The World (2012) que tanto me gustaron y engancharon aunando una variedad musical llena de guiños a bandas de los '60 y '70 con las que tanto me identifico. Por ello no quería dejar sin reseña al nuevo elepé de una de mis nuevas bandas favoritas y el que a modo de consagración sirve para crecer y expandirse como bien afirman en su título.

El power trio sueco sigue creciendo tema a tema
Con una portada de esas que consiguen ensimismarme e hipnotizarme evocando a esos gloriosos artworks psicodélicos llenos de color de finales de los '60 tipo Disraeli Gears, Grow consigue el primero de los propósitos, entrar por los ojos. Pero si el artwork engancha los 8 temas que nos encontramos al darle al play no lo hacen menos llenos de atmósferas y pasajes que discurren entre el hard rock y el blues rock pero con guiños prog y mucha psicodelia. Publicado en mayo de este año con Transubstans Records, como de costumbre, Grow sigue la senda de sus inicios aunque con un toque más personal fruto de la madurez adquirida como demuestra el hecho de que Sartez Faraj se encargue del hammond en su nuevo disco. Lo que ya no es una novedad es la calidad de la banda con un Faraj capaz de ponerte la piel de gallina en temas como 'Familiar Song' secundado por Olle Risberg y Christian Eriksson y su contundencia rítmica. Un Eriksson que según he podido ver en su web ha abandonado la banda hace unos días y que a buen seguro se notará en sus directos y, esperemos, futuras grabaciones.


Grow es un disco que necesita paladearse bien para apreciar todos los detalles y matices con canciones largas de hasta 10 minutos llenas de improvisación e hipnóticamente adictivas, aunque densas y complejas por momentos. La inicial 'Which Way' ya deja constancia del sonido más sucio y distorsionado que nos encontraremos en el resto del disco, con Sartez Faraj manejando las subidas y bajadas de intensidad como solo él sabe hacerlo. Le sigue la pegadiza 'Drowning' con wah-wah incluido y ritmos latinos. Una de las que más me ha calado es 'By The Book' es un in crescendo memorable con un Faraj espectacular que casi hace que me emocione. Momento instrumental con los más de siete minutos de la deliciosa 'Tablas Of Bahar' que rezuma psicodelia por doquier. 'Food For The Day' explora la esencia Three Seasons que me encandiló en sus anteriores discos. Llegamos al instante sensiblero con la balada 'No Shame', un emotivo corte con Faraj brillando nuevamente y con grandes solos de órgano y guitarra. Vuelta al redil con la hardrockera 'Home Is Waiting' antes de cerrar el álbum con 'Familiar Song', tema más largo y experimental del plástico, en el que dan rienda suelta a su creatividad con innumerables vaivenes de ritmo e intensidad. Un final explosivo y apoteósico para poner el broche de oro a este Grow, otro gran disco de los suecos Three Seasons.



Después de sus dos primeros bombazos, Grow supone el punto de consolidación como banda de Three Seasons. Llegados a este punto quizás el impacto sea menor de lo que fueron Life's Road y Understand The World pero era previsible. Con todo siguen demostrando su poderío como banda a la que se le puede augurar un largo recorrido en la escena del rock revival.
"Tras una vida en la carretera con la que nos ayudaron a entender al mundo Three Seasons han madurado y crecido y ahora es el momento de dejarse llevar por el sonido vintage de sus nuevas canciones".

Three Seasons:

 

Sartez Faraj - Guitars, Vocals & Hammond Organ
Olle Risberg - Bass
Christian Eriksson - Drums



Track Listing:

Side One:

1 - Which Way
2 - Drowning
3 - By The Book
4 - Tablas Of Bahar

Side Two:

1 - Food For The Day
2 - No Shame
3 - Home Is Waiting
4 - Familiar Song


miércoles, 17 de septiembre de 2014

Creedence Clearwater Revival - 1969 - Bayou Country

Actualmente pensar que una banda pueda publicar más de un Lp de estudio en un mismo año se antoja harto complicado, puede que reservado a algunos como Tito Neil y poco más. Y más difícil aún que esos discos pasen a los anales como históricos como en las décadas de los sesenta y setenta. Eran otros tiempos donde la creatividad como una patología compulsiva creacionista hacía que muchas bandas publicasen 2 o 3 elepés en un año con una facilidad y calidad compositiva para la que a día de hoy se necesitan años de gestación. Así casos como el de la Creedence y su idilio con 1969 fueron constantes en bandas como The Who, Jimi Hendrix, The Beatles, Love, The Guess Who, Led Zeppelin o Jefferson Airplane así como muchas de las bandas psicodélicas que aprovechaban el momento de tirón comercial y el empuje de los sellos para mantener alerta a sus legiones de fans o conseguir sobrecargarlos en ocasiones.


Si con la publicación en 1968 de su debut homónimo (del que ya hice mi pequeña reseña aquí) habían despertado el interés, 1969 sería el año de la eclosión mundial de la banda del pantano californiano llegando a publicar hasta tres discos: Bayou Country, Green River y Willy Band The Poor Boys, y a cada cual mejor haciendo todo un alarde de creatividad compositiva por parte de John Fogerty. Pero vayamos al grano y centrémonos ahora en Bayou Country que hay más días que piedras. La banda se encontraba en la gira promocional de su primer disco como CCR cuando comenzó a gestarse este segundo Lp que hoy copa la atención. Grabado en los RCA Studios de Los Ángeles vería la luz un 5 de enero de 1969 a través de Fantasy Records y supondría el despegue meteórico de la banda. Un álbum con el que definirían su característico sonido y marcaría el punto de inflexión donde comenzó a forjarse la leyenda de la CCR.



La grabación de Bayou Country se realizó como si se tratase de un directo con toda la banda tocando a la vez con pocas mejoras y añadidos posteriores por parte de un ya controlador John Fogerty. Con un sonido más simple y definido, alejándose de su primer Lp, y puliendo ese inequívoco estilo musical pantanoso que seguirían perfeccionando en posteriores grabaciones, Bayou Country es un viaje al corazón de la América de los '60. Un recorrido en una vieja y destartalada camioneta por carreras desérticas y bosques sureños, descubriendo parajes inhóspitos en la voz de John Fogerty.
Inspirándose en el rock and roll de los '50, el country y el R&B la Creedence consiguió diferenciarse de las bandas de la época profundizando en las raíces del rock americano con temas tan fundamentales como 'Proud Mary' o 'Born On The Bayou'.


Si en su primer disco las versiones copaban la mayoría del Lp en Bayou Country dejan de lado los covers para centrarse en composiciones propias con John Fogerty asumiendo las riendas compositivas del álbum con la excepción de 'Good Golly Miss Molly' de Little Richard. Con el hit 'Proud Mary' como bandera alcanzarían el éxito en medio mundo y prueba de ello son las infinitas versiones que nos podemos encontrar desde Ike And Tina Turner, Elvis Presley o Status Quo o la afirmación de Dylan de que fue la mejor canción del '69. El inicio del elepé nos trae la esencia más pura de Creedence Clearwater Revival con esas guitarras tan marca de la casa y ritmo pegadizo con los toques de cencerro de Doug Clifford en el otro gran hit del plástico, 'Born On The Bayou', y claro exponente del denominado swamp rock. Le sigue 'Bootleg' otro de sus temas fácilmente reconocible por su carácter directo y sus sinuosos riffs de guitarra. Turno para uno de los temas un poco experimentales del agrado de la banda: 'Graveyard Train' en el que la inconfundible voz de John se mueve entre una sencilla base instrumental a lo largo de los ocho minutos del corte. Y llegamos a la versión de rigor 'Good Golly Miss Molly' de Little Richard, rock and roll de vieja escuela con la personalidad añadida de la banda. Momento para un blues ácido y salvaje titulado 'Penthouse Pauper' en la que dejan cristalinas sus intenciones en estrofas del tipo: "If I were some jewelry, baby, I'd have to be a diamond ring". Cuando se acerca el final suena el clasicazo de Bayou Country, 'Proud Mary' single del disco que evoca a la nostalgia por las tierras y gentes que se describen en la letra de la canción. Y como colofón otro de los experimentales y largos cortes de la Creedence 'Keep Of Chooglin'' tan propicio para la improvisación en directo.


Mezcla de rock sureño y blues principalmente aunque con pinceladas de boogie la banda abrió con Bayou Country la lata de las mieles del éxito del año 1969 para subirse en el trono de leyendas del rock que jamás abandonarían. Y lo que quedaba por venir... Woodstock, Green River...

Creedence Clearwater Revival:

John Fogerty - Lead Guitar, Vocals & Harmonica
Tom Fogerty - Rhythm Guitar
Stu Cook - Bass
Doug Clifford - Drums


Track Listing:

Side One:

1 - Born On The Bayou
2 - Bootleg
3 - Graveyard Train

Side Two:

1 - Good Golly Miss Molly
2 - Penthouse Pauper
3 - Proud Mary
4 - Keep Of Chooglin'

miércoles, 10 de septiembre de 2014

Tom Petty & The Heartbreakers - 2014 - Hypnotic Eye

Habia ganas de escuchar lo nuevo del rubio de Florida y sus rompecorazones después de 4 años desde la publicación de Mojo, última publicación hasta la fecha y que tan buen sabor de boca había dejado. Y la verdad es que la espera ha merecido la pena y no ha defraudado. Hasta el punto de afirmar que no me esperaba tanto, y es que me gusta todo de este Hypnotic Eye, desde el definitorio título pasando por el artwork, especialmente la carátula trasera con ese niño mostrando que estamos monitorizados por la tecnología y demas mierdas y terminando como gran colofón en sus 11 excelentes temas de regreso a los sonidos de sus mejores días, un disco de rock and roll de principio a fin con los que me gusta cruzarme y recrearme.
Nuevo e hipnotizante disco de Tom Petty & The Heartbreakers

El nuevo álbum de Petty y Cía. era uno de los más esperados del año y ahora que ya lo tengo entre mis manos tengo más claro el por qué. Hypnotic Eye, Lp número 13 en la discografía de Tom Petty & The Heartbreakers y publicado con Reprise Records, supone el regreso a los sonidos más clásicos de sus primeros tiempos. Una senda que ya dejaba latente la esencia de Mojo, aunque de vertiente más bluesy, pero que cobra vida en este Hypnotic Eye, de sonidos crudos y letras mordaces y repleto del rock americano que abanderan. Así después de tres años de trabajo Petty ya puede afirmar que han conseguido grabar un disco 100% rock manteniendo la frescura y originalidad de antaño como se había propuesto.


La grabación de Hypnotic Eye se extendió, puede que demasiado, unos tres años aunque a tenor del resultado ha sido un tiempo bien empleado. Co-producido por Petty, Campbell y Ryan Ulyate no hace falta demasiado para darse cuenta de la forma en la que se encuentra la banda. Un incombustible Mike Campbell surte de riffs al bueno de Petty, sonando como lo que son: una gran banda, una banda de rock facturando un disco de composición sólida y que desprende mucha energía a lo largo de las once canciones que integran el álbum. Mención especial para Blair y Ferrone en su trabajo rítmico dotando de sencillez y calidad el disco.



El propio Petty declaró que las letras transmiten parte de su desilusión y desencanto con América, un sentimiento de enfado y furia que agudiza la vena rocker del elepé aunque quizás de una manera implícita invita a ir más lejos en tu conciencia alejándose del materialismo que nos rodea.
"I've got a dream, I'm gonna fight till I get it right" canta Tom en 'American Dream Plan B'  para abrir el álbum on fire con el contundente riff de Campbell para un comienzo potente y hardrockero, toda una declaración de intenciones. Le sigue otro gran corte, 'Fault Lines', un tema muy rítmico y de bastante improvisación. Turno para el excelente y melódico 'Red River'. Estelar como siempre la inconfundible garganta de Petty, tiene un poso increíble a clásico. Continua el artefacto con un medio tiempo de influencia jazzie 'Full Grown Boy'. Con Tom invitándonos a dejar atrás el pasado se presentan los ritmos blues rock de 'All You Can Carry'. Tirando de paradoja llega 'Power Drunk', probablemente uno de los momentos más Mojo o blusero del Lp, sobre la maldad del poderoso y uno de los temas de mayor lucimiento de Campbell a la guitarra. Superado el ecuador del plástico siguen los temas rápidos con 'Forgotten Man' y el uso de reverb antes de la balada de rigor. "I'm worm and wounded but still the same" canta en 'Sins Of My Youth' redimiéndose de sus pecados. Y llega otro de los momentos álgidos con 'U Get My High' con un solo final de Mike Campbell espectacular, temazo. Y ya acercándonos al final solo queda dejarse ir entre la mezcolanza de blues, boogie y country por la que discurre 'Burnt Out Town' y el rock bien llevado de 'Shadow People' como colofón a un disco que en líneas generales me ha gustado más que Mojo.

Abducidos y sin conciencia social?




Si la semana pasada me reafirmaba con Clapton, con Petty tres cuartos de lo mismo, después de 40 años y no se ni cuantos discos, amén de otras aventuras tipo Wilburys, no creo que tenga nada que demostrar a estas alturas de la película. Y quizás sea por ello este Lp el indicado, un paseo por los principios esenciales de sus primeras obras donde no se necesiten hits si no un bloque sólido de buenos temas. Y cuál es el resultado? El álbum fue directo al nº1 del Billboard 200 estadounidense, convirtiéndose en todo un logro en la dilatada carrera de Petty al ser su primer Lp que corona la cima de la lista. Con todo algún que otro palo le está cayendo mientras se percibe bastante discrepancia de opiniones, pero yo lo tengo claro, me declaro hipnotizado. Un Lp que me ha entrado desde la primera escucha y que probablemente sea mi disco del año. Y es que ya se sabe, apuesta por caballo ganador que la ostia será menor.

 

Tom Petty & The Heartbreakers:

 


Tom Petty - Vocals, Rhythm Guitar & Bass
Mike Campbell - Lead Guitar
Scott Thurston - Rhythm Guitar, Harmonica & Tambourine
Benmont Tench - Piano, Organ, Mellotron & Synthesizer
Ron Blair - Bass
Steve Ferrone - Drums & Percussion


Track Listing:

01 - American Dream Plan B
02 - Fault Lines
03 - Red River
04 - Full Grown Boy
05 - All You Can Carry
06 - Power Drunk
07 - Forgotten Man
08 - Sins Of My Youth
09 - U Get Me High
10 - Burnt Out Town
11 - Shadow People

miércoles, 3 de septiembre de 2014

Eric Clapton & Friends - 2014 - The Breeze: An Appreciation Of JJ Cale

Este mes de julio ha sido bastante rico en lo que a lanzamientos de viejas glorias se refiere. Por ello y para ponerme un poco al día, que se me empieza a acumular faena, toca dedicar una reseña a este merecido tributo que Eric Clapton decidió brindarle a su maestro y amigo JJ Cale un año después de su fallecimiento. The Breeze: An Appreciation Of JJ Cale (Surfdog) un sentido homenaje póstumo del bueno de mano lenta con la colaboración de músicos como Tom Petty (quien es novedad por partida doble con el maravilloso Hypnotic Eye que caerá por estos lares la semana que viene), Mark Knopfler, Willie Nelson, Don White o John Mayer entre otros.

La obra de JJ Cale interpretada por su mensajero y amigos

Quien ose proclamarse seguidor de Clapton ha de tener especial respeto y admiración por la figura de JJ Cale pues como slowhand afirmaría después de que se formalizase su colaboración en Road To Escondido (Reprise Records, 2006): "Esta es la materialización de lo que constituye mi mayor ambición, trabajar con el hombre cuya música me ha inspirado desde que soy capaz de recordar". Temas como 'After Midnight' o 'Cocaine' relanzarían la carrera de Clapton sorprendiendo a más de uno, incluido su auténtico compositor, y convirtiéndose en temas estrella dentro de su set. Si bien Cale siempre prefirió mantenerse en un segundo plano alejado de cualquier tendencia musical, fama y extensas giras, su nombre es con frecuencia asociado como uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género con influencias del blues, rockabilly, country y jazz. Admirado por muchos colegas como Neil Young o Clapton, quien siempre le ha recordado, fue todo un ejemplo de gran compositor y mejor guitarrista, infinitamente versionado por todo tipo de bandas, abanderado de la música de raíces y una figura que perdurará como uno de los que mejor ha representado el laid back.



El trovador de Oklahoma por fin recibe el tributo que se merece repasando sus 40 años de carrera de ritmos relajados y su inconfundible voz. Siendo un artista de culto para tantos músicos y bastante desconocido para el público en general ya era hora de que alguien se atreviese a homenajearle como corresponde. Y ya puestos nadie mejor que Eric Clapton, quien a estas alturas nada tiene que demostrar, para comandar un proyecto como The Breeze: An Appreciation Of JJ Cale junto a otros músicos con su misma debilidad: JJ Cale. Tomando como título uno de sus mayores éxitos, ese 'Call Me The Breeze' de 1972 que abría su primer disco Naturally (Mercury) nos encontramos ante un merecidísimo álbum tributo en el que ni están todas las que son ni son todas las que están pero viendo el elenco de colaboradores tampoco es para poner demasiados problemas. No obstante, por poner alguna pega quizás se eche en falta que casi todas las canciones, 16 en total, sean tan fidedignas con el tema original en cuestión aunque con la inconfundible personalidad de sus intérpretes, con excepciones como 'Rock And Roll Records' 'Train To Nowhere' o 'I'll Be There (If You Ever Want Me)'. Pero para ser justos esto no es un tributo al uso si no más bien un ensalzamiento de la obra de JJ Cale que servirá para repasar sus discos. Una joya de disco para recordar al maestro de los sonidos Tulsa y del blues rock de raíces de Oklahoma, con un elenco de músicos interminable e insuperable.


Track Listing:

01 - Call Me The Breeze
02 - Rock And Roll Records (with Tom Petty)
03 - Someday (with Mark Knopfler)
04 - Lies (with John Mayer)
05 - Sensitive Kind (with Don White)
06 - Cajun Moon
07 - Magnolia (with John Mayer)
08 - I Got The Same Old Blues (with Tom Petty)
09 - Songbird (with Willie Nelson)
10 - Since You Said Goodbye
11 - I'll Be There (If You Ever Want Me) (with Don White)
12 - The Old Man And Me (with Tom Petty)
13 - Train To Nowhere (with Mark Knopfler & Don White)
14 - Starbound (with Willie Nelson & Derek Trucks)
15 - Don't Wait (with John Mayer)
16 - Crying Eyes (with Lakeland Cale & Derek Trucks)


miércoles, 6 de agosto de 2014

The Box Tops - 1967 - The Letter

"Cuando no hay ganas de hacer nada lo mejor es hacer algo", esa es la premisa que me he marcado para no abandonar la blogosfera durante estos soleados días de descanso estival. Y la verdad es que entre el escape de la rutina y esa dejadez natural que me persigue cual aciaga compañera, no es fácil sacar tiempo para todo lo que me gustaría. Es por ello que rescatar algún single perdido ha sido la mejor solución. Así hoy traigo a The Box Tops con su hit 'The Letter', una banda más, de las que ha pasado con más pena que gloria pero la cual siempre he escuchado con asiduidad y no solo por la canción que todos conocen sino por un par de discos que tengo de la banda.


The Box Tops tienen su origen en la ciudad de Memphis formándose en 1963 como The Devilles y renombrados en 1967 como The Box Tops y comenzando una época de moderado éxito sustentado en singles de calidad como Neon Rainbow, Cry Like A Baby, Happy Times o Choo Choo Train. La banda que bebe del soul, como no podía ser menos, y del pop grabaría muchas canciones de deliciosa escucha. Y mucho tendría que ver en su reconocimiento como banda la labor de Dan Penn en la producción de sus primeras grabaciones.
El primer single como banda sería este furioso 'The Letter', composición de Carson Thompson con la que conseguirían el número uno, y mantenerlo durante cuatro semanas. Publicado en julio del '67 sería la antesala de su disco grande The Letter/Neon Rainbow. Los efectos sonoros y sobretodo la forzada voz de Alex Chilton, que poco tiene que ver con sus otras canciones, dan esa impronta tan especial al tema. Otro hitazo veraniego altamente recomendable.
El amigo Joe Cocker haría su particular versión de la canción en el imprescindible Mad Dogs & Englishmen llegando a publicarse como single y consiguiendo gran éxito.


miércoles, 30 de julio de 2014

Mungo Jerry - 1970 - In The Summertime

Nunca me ha gustado la etiqueta de "bandas de un solo hit", pero en ocasiones resulta imposible no hacerlo como con éste himno veraniego de Mungo Jerry y su oda a los días estivales alejados de cualquier preocupación. Para remediarlo, he aprovechado el parón vacacional para conseguir alguno de sus discos grandes y poder hacer la entrada empapado en materia. Buscando información de la banda he descubierto que tienen una larga discografía repleta de otras buenas canciones, aunque éxitos menores en comparación, como 'Baby Jump', 'Lady Rose' o 'Alright, Alright, Alright'. Si bien la escucha de sus primeros elepés es bastante entretenida nada mejor que un grandes éxitos para conocer al grupo y derribar la etiqueta con la que comienza el post. Para entrar en contexto conviene hacer un poco de historia porque hablar de Mungo Jerry, conocidos como The Good Earth en sus inicios, es hacerlo de su indiscutible líder Raymond Eduard Dorset quién ha mantenido viva la banda desde los '70 con infinidad de cambios de formación pero siempre apoyado en su mezcolanza de pop, folk, blues y skiffle. Pero su época dorada sería a principios de la década de los setenta a raíz de su single debut In The Summertime (Dawn Records) con el conseguirían éxito a ambos lados del Atlántico y el reconocimiento por parte de la crítica con premios como 'mejor nueva banda' y estar entre las 'cinco mejores bandas en directo' para la revista Melody Maker. Eso si que es un comienzo...


Publicado en 1970 fue el single debut de los británicos convirtiéndose en uno de los singles más exitosos de todos los tiempos y posicionándose en el número uno de las listas inglesas donde permanecería siete semanas de manera consecutiva. Cual pandemia de película, alcanzaría el #1 en las listas de 26 países llegando actualmente a más de 30 millones de copias vendidas alrededor del globo. La canción compuesta por Ray Dorset, el hombre de las frondosas patillas, puede considerarse la definición por antonomasia de hit. 'In The Summertime' combina la sencillez del pop británico con la improvisación más típica del llamado skiffle y sus efectos sustituyendo los ritmos de batería, que estuvo muy de moda en las islas en los años cincuenta, convirtiéndose en un tema tan pegadizo y simple que es imposible no moverse con sus ritmos festivos. Sin más preámbulos os dejo con el video de 'In The Summertime'.



miércoles, 23 de julio de 2014

Canned Heat - 1968 - Going Up The Country

Cuando toca hablar de bandas de referencia, favoritas o de cabecera mi subconsciente me lleva directamente hasta la ciudad de Los Angeles recordando a dos de las grandes personalidades, si no los que más, dentro del boogie blues rock, Alan 'Blind Owl' Wilson y Bob 'The Bear' Hite y sus Canned Heat. Banda por la que siempre he sentido especial afinidad y uno de mis primeros flechazos musicales. Y puestos a elegir, una de las canciones que siempre más me ha gustado es este maravilloso himno hippie 'Going Up The Country' recuerdo de la década dorada y la vuelta a la naturaleza.


La canción que originalmente fue incluida en el doble Living The Blues (Liberty Records) de 1968 está inspirada en un viejo tema de blues de Henry Thomas, 'Bull Doze Blues', de 1928 manteniendo la melodía y ritmos básicos de la original pero con los arreglos necesarios para llevarla a un terreno más rockero y reescribiendo la letra. Canned Heat electrificarían la versión de Thomas con la guitarra de Henry Vestine y  la colaboración del multi instrumentista Jon Horn, colaborador de gente como The Rolling Stones o Traveling Wilburys, interpretando las partes de flauta de la original. Aunque no  alcanzaría ni el top ten del Billboard la canción sí que conseguiría una gran repercusión que vino en parte dada por su inclusión en la película y el recopilatorio del festival de Woodstock estrenados en 1970, y del cual ha transcendido los años como uno de sus himnos.

Tanto Wilson como Hite eran entusiastas coleccionistas de blues y apasionados regurgitadores de viejas leyendas del blues, por lo que tacharlo de plagio carecería de consistencia. La canción se convertiría en uno de los temas más recordados de la banda y serviría de inspiración al mundo hippie de la contracultura americana por su temática ecológica y de amor a la naturaleza, y la idea de la vida simple y unida en comunas.

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