El Ruido De Una Vida es un blog donde el rock es el eje vertebrador como para la mayoría de nosotros. Por ello intentaré repasar esos álbums y bandas que tanto me han marcado sin olvidar los nuevos grupos que me vaya encontrando on the road. Espero que nos retroalimentemos y vivamos Rock 'n Roll!!!
Después de toda una vida dedicada en cuerpo y alma al rock & roll hoy recibíamos la triste noticia del fallecimiento del bueno de Lemmy Kilmister, el rocker definitivo. Y es triste por demasiados motivos a lo que además se suma que ya tenía en mis manos la entrada para verlo en directo en febrero en lo que ya sabía sería la última oportunidad de disfrutar de su rabioso show.
Aún en agosto nos regalaba, el que a la postre sería su último LP, ese Bad Magic que desgrané en este espacio con la admiración de siempre y la sensación de estar disfrutando de sus últimos coletazos.
Con las botas puestas sobre un amplificador a tope de decibelios, como siempre quiso despedirse, y a los 70 años se va uno de los iconos del rock subversivo por antonomasia. El heavy rock pierde hoy a un padre fundador pero su lema de "más rápido y más alto" seguirá por siempre resonando mientras Overkill o Aces Of Spades o cualquier otro disco de Motörhead suene a alto volumen en nuestros reproductores.
I am Motörhead, you are Motörhead... we are Motörhead!!!!!!!!!
Los Little Feat son una banda de esas que no puedes dejar de oír por mucho que lo intentes porque tienen algo que los hace especiales, incluso el bueno de Jimmy Page se ha declarado fan de los americanos, y es que algo deben de tener... Y si hace un tiempo dediqué una entrada a Sailin' Shoes [Warner, 1972], mi LP favorito de los de Lowell George, ahora prosigo redescubriendo, o eso espero, a esta banda californiana con su tercer álbum y su evolución sonora que es Dixie Chicken, el para muchos mejor lanzamiento de Little Feat.
Nueva extravagancia obra de Neon Park ilustrador de los Little Feat
La familia Little Feat creció tras la publicación de Sailin' Shoes y el posterior abandono del bajista Roy Estrada para proseguir su carrera con Captain Beefheart. De este modo a los feat originalesLowell George (voz y guitarra), Bill Payne (órgano) y Richie Hayward (batería) se unieron Paul Barrere (guitarra), Sam Clayton (percusiones) y Kenney Gradney (bajo). Dixie Chicken supuso un claro viraje en la música de la banda, atisbándose nuevas sonoridades. El gran Lowell monopoliza la composición de temas dejando alguna de sus mejores creaciones así como encargándose de la producción del mismo. Vocalmente excelente como siempre y bien apoyado por coros femeninos como en 'Two Trains' o en 'Dixie Chicken' que imprimen un regusto a R&B muy New Orleans. Con la incorporación de Barrere, el grupo y sobre todo Lowell están más liberados instrumentalmente y eso se nota, así como en el global del álbum con la incorporación de un percusionista junto al siempre maravilloso Payne al teclado.
Si bien el sonido Little Feat en Dixie Chicken va perdiendo su tan carismático sonido de raíces blues de sus inicios en favor de ritmos más próximos al funk, que seguirían desarrollando en los siguientes años, no se puede negar el potencial del disco con canciones tan destacadas como la genial y divertida 'Fat Man In The Bathtub', la melancólica 'Roll Um Easy', 'Walkin' All Night' composición de Barrere y preámbulo de su futura incidencia en Little Feat, la versión de 'On Your Way Down' de Allan Toussaint o las ya mencionadas 'Two Trains' y 'Dixie Chicken' una de las canciones más conocidas de Lowell & Cia.
Siempre cuestionados por la discográfica aunque alabados por fans y crítica el grupo empezaría a poner en duda el liderazgo tan marcado del talentoso George y para su siguiente disco la difícil tarea de la composición estaría más repartida que nunca y el claro carácter roquero de sus primeras grabaciones daría paso a temas más melódicos y relajados. Aún con todo Feats Don't Fail Me Now (Warner, 1974) es en mi opinión su último gran álbum ('Rock & Roll Doctor' 'Oh Atlanta' y 'Spanish Moon' no pueden faltar en cualquier recopilatorio que se precie de Little Feat) con algún pero para Waiting For Columbus álbum en directo con todos los grandes clásicos del grupo. Los abusos terminaron derivando en la muerte de Lowell George en 1979 por un ataque al corazón cuando se disponía a promocionar Thanks I'll Eat It Here (Warner, 1979) su álbum en solitario tras la disolución de Little Feat. En 1988 los restantes miembros volverían a escena con Craig Fuller (Pure Praire League) primero y Shaun Murphy después como sustitutos, si se puede decir, de Lowell George tocando y grabando discos hasta la actualidad aunque sin mayor repercusión.
Little Feat:
Lowell George - Vocals, Slide Guitar, Flute & Cowbell
Un nuevo supergrupo llega al blog de la mano de Paul Rodgers como máximo exponente y escoltado por ex miembros de grupos del calibre de Free, King Crimson y Mott The Hoople. Ellos son Bad Company y el disco que suena es su primer y homónima publicación repleto de hard rock melódico de esencia blues y un toque bastante comercial que les abriría el camino del éxito absoluto.
Let the music flow
Bad Company se formó en Londres en 1973 de las cenizas de Free con Rodgers y Kirke como principales valedores junto a Mick Ralphs de Mott The Hoople a la guitarra y Boz Burrell ex King Crimson al bajo. Las influencias de la bandaabarcaban dos vertientes bien diferenciadas: por un lado la pasión por el blues de Muddy Waters o Howlin' Wolf y por el otro lado los sonidos ácido-rockeros de la década pasada con Cream principalmente pero también Steppenwolf o la Experience.
El nombre de la banda fue debido a la obsesión de Rodgers por la película western del mismo nombre y que haría servir para la nueva formación.
Representados por Peter Grant, quien también representaba a los Zepp, y les conseguiría un contrato con el sello Swan Song propiedad de Led Zeppelin, publicarían un primer LP poderoso sin demasiadas concesiones grabado en directo con
un brioso sonido hard blues rock. Bad Company fue grabado en el estudio móvil de Ronnie Lane en su granja de Headley en Hampshire en noviembre del '73 en un intervalo dejado por Led Zeppelin en las sesiones del Physical Graffity.
Con el gran talento y capacidad vocal de Paul Rodgers
y la tremenda habilidad instrumental de sus compañeros, que aunaban un
variado amalgama de calidad instrumental y creatividad, parirían en 1974 esta auténtica maravilla titulada Bad Company en toda una
demostración de genuino blues rock colmado de buenos riffs, hits atemporales, grandes melodías y estribillos coreables.
El álbum comienza, ni más ni menos, que con 'Can't Get Enough' compuesta por Mick Ralphs y primer single del disco que se terminaría convirtiendo con su demoledor riff de guitarra en uno de los mayores clásicos de la banda. Otra de mis debilidades, 'Rock Steady' puro y genuino hard rock . Más madera con 'Ready For Love' ya grabada por Mott The Hoople y que Ralphs rescataría para darle un nuevo enfoque y regrabarla como un medio tiempo. Bella y sugerente y la aparición de Rodgers al piano. La cara A se cierra con la balada 'Don't Let Me Down' y esa atmósfera preciosista colmada de sentimiento romanticón con el acompañamiento femenino a los coros. Otro clásico en forma de medio tiempo y jugando sucio como los protagonistas de Pistoleros en el Infierno abre la cara B del plástico: 'Bad Company'. 'The Way I Choose' balada como declaración de principios y tema más largo del álbum. Vuelta a la senda más gamberra y rockera con la festiva 'Movin' On' sin reducir la velocidad. El disco se cierra con 'Seagull' un corte acústico de retazos folk que despide el elepé de la manera más sutil posible.
Disco corto, bien estructurado y altamente disfrutable que les abocaría al éxito internacional (nº1 del Billboard americano) y que se terminaría convirtiendo en uno de los grandes clásicos del rock. Bad Company siguió facturando grandes discos como Straight Shooter (1975) o Run With The Pack (1976)...si bien no conseguirían superar los registros de un primer LP que les alzó como estrellas mundiales e iconos del rock.
Track Listing:
Side #1:
1. Can't Get Enough (Ralphs)
2. Rock Steady (Rodgers)
3. Ready For Love (Ralphs)
4. Don't Let Me Down (Rodgers, Ralphs)
Side #2:
1. Bad Company (Rodgers, Simon Kirke)
2. The Way I Choose (Rodgers)
3. Movin' On (Ralphs)
4. Seagull (Rodgers, Ralphs)
Bad Company:
Paul Rodgers - Vocals, Rhythm & Acoustic Guitar, Piano & Tambourine
Esta semana toca rebajar la intensidad musical del blog para detenerse ante uno de los máximos exponentes del country rock de los '70, si bien nuestro personaje de la semana prefería referirse a su estilo como cosmic american music. Natural de Winter Haven (Florida) y de nombre real Ingram Cecil Connor III terminaria por acortar su nombre más propio de la realeza, por un más común Gram Parsons adoptando el apellido de su padrastro y dar comienzo a una singladura musical corta aunque muy intensa convirtiéndose en uno de los denominados padres del country.
Gram Parsons era un gran admirador de Elvis Presley al que llegaría a versionar en sus primeros tiempos y bandas. Empezaría temprano a tocar pasando por múltiples formaciones siendo The Shilos la más recordada de sus inicios.
En 1966 formaría The International Submarine Band editando un más que destacable álbum en 1968 titulado Safe At Home. Antes de la publicación del disco y tras la salida de David Crosby, Chris Hillman le llamaría a filas de The Byrds dejando su particular impronta y grabando Sweetheart Of Rodeo.
En la gira de presentación del disco, Parsons se negó a actuar en Sudáfrica a causa del apartheid del país lo
que supondría su breve, aunque muy fructífero e intenso, paso por The
Byrds. Poco después formaría The Flying Burrito Brothers, una de mis mayores debilidades, con Chris
Hillman (quien también abandonaría a Roger McGuinn) junto
a Chris Ethridge al bajo y Sneaky Pete Kleinow al pedal steel guitar. Debutarían con el
excelso The Gilded Palace Of Sin en 1969 que ya hizo su aparición por
aquí y que tendría continuación con el no menos sublime Burrito Deluxe antes de decidir embarcarse en una carrera en solitario en la búsqueda de un sonido cercano al country más tradicional de mitos como Hank Williams, Merle Haggard o Johnny Cash.
Sus adicciones y amistades peligrosas, como la de Keith Richards, precipitarían su salida de los Burrito y el retraso de sus primeras composiciones en solitario. Su primer disco como Gram Parsons se titularía GP y entre sus melancólicas odas al country sobresalen temas como 'She', 'A Song For You', 'The New Soft Shoe','Kiss The Children' con la colaboración de Ric Grech o la rockera 'Big Mouth Blues' además de valiosos covers revisados como 'Cry One More Time'. Un golpe duro para Parsons en relación a este GP sería cuando uno de sus ídolos como Merle Hagard desestimó participar como productor del álbum. Finalmente sería el propio Gram junto al ex Blind Faith y FamilyRic Grech quienes harían las labores de producción. Por otro lado, su amigo Hillman le recomendaría a una todavía desconocida Emmylou Harris quien casa a la perfección en el estilo Parsons y que sería parte importante de The Fallen Angels, banda que acompañaría a Gram Parsons en la presentación del disco.
En 1973 grabaría este Grievous Angel que hoy nos ocupa con un buen número de colaboradores entre los que destacaba nuevamente parte del elenco de su anterior LP. Emmylou Harris a la voz, Al Perkins a la steel guitar, el violín de Byron Berline, la guitarra eléctrica de James Burton, Emory Gordy al bajo, el piano de Glen D. Hardin o la batería de Ronnie Tutt. Tan emotivo, melancólico y sensible como GP pero con un poso bastante más rockero, toda la melodía de Parsons saldría a pasear en lo que a la postre significaría su último álbum de estudio, aunque eso sí, con todo un collage de descartes de discos anteriores. Con los compases iniciales de 'Return Of The Grievous Angel' en un mano a mano vocal con Harris algo constante en todo el álbum, la sensibilidad del cósmico americano brilla en plenitud. Mucho más íntima y delicada suena 'Hearts On Fire'. Subida de tono con los ritmos bailables de 'I Can't Dance'. Datada en el ecuador de los '60 'Brass Buttons' tiene unos magníficos punteos de guitarrajugando con la tierna voz de Parsons. Otra de las recuperadas fue '$1000 Wedding' que en 1970 ya había grabado con The Flying Burrito Brothers aunque con algo más de intensidad rockera. La cara B se abre con el momento medley "en directo" con la versión de 'Cash On The Barrelhead' e 'Hickory Wind' compuesto para The Byrds. Seguimos con la gran versión de 'Love Hurts'. Con mucho ritmo llegamos a 'Ooh Las Vegas' descarte de GP y en la que colaboró Ric Grech. Y para cerrar el elepé la balada 'In My Hour Of Darkness' con las armonías vocales de Linda Ronstadt junto a Emmy y el propio Gram.
Grievous Angel aparecería de manera póstuma, y con alguna que otra modificación por parte de su esposa (portada, track list,..), después de la temprana muerte de GramParsons en el motel Joshua Tree Inn el 23 de septiembre del '73 a los 26 años de edad sumido en sus adicciones y dejando huérfano al country rock, mejor dicho música cósmica americana y de la que nos regaló un buen puñado de canciones en sus seis discos publicados entre 1968 y 1974.
Desde el Olimpo de Frisco hasta Boston, pasando por la gran city de
NY y recorriendo América de costa a costa sin olvidarse de las islas más
lisérgicas del rock, UK...
Psychedelic Rock!!!
Como es un estilo con en el que me
encanta evadirme y naufragar aquí queda la octava entrega del rock más
ácido que se conoce aunque en esta ocasión con bandas US de clara vertiente garage y que no pudieron sobrevivir al éxito de sus primeros sencillos: Psychotic Reaction y Talk Talk aunque actualmente sean consideradas ejemplos seminales del garage rock junto a The Seeds, The Standells o The Chocolate Watchband!!!
The Count Five - 1966 - Psychotic Reaction
The Count Five se formó a mediados de la década de los '60 en San José, California con la aparición de un joven irlandés John 'Sean' Byrne quien capitanearía la nueva banda junto a John 'Mouse' Michalsky después de tímidos proyectos como The Squires, de clara inspiración British, para abrirse paso y cierto éxito con su garage rock crudo con rasgos de pop, psicodelia, folk y R&B.
"Uh-oh, little girl, psychotic reaction!"
A pesar de la orientación hacia el garage rock tenían en UK a sus máximas influencias en bandas como The Yardbirds, The Beatles, The Rolling Stones o The Who pero en plan ruidoso, con una mezcla de psicodelia y punk a la que imprimieron personalidad con voces estruendosas y llenas de rabia, cambios de ritmo, guitarras fuzz, un órgano Farfisa y esa deliciosa harmónica. Su único éxito vendría con su primera composición 'Psychotic Reaction' cuyo título le susurraría un compañero en clase de psicología a Byrne como sugerencia para una canción, y que despertaría el interés del DJBrian Lord como para convertirse en su representante. Con Lord conseguirían grabar su exitoso singlePsychotic Reaction/They Gonna Get You para el sello Double Shot que alcanzaría el puesto nº5 en las listas de éxitos americana, y su único LP después de ser rechazados por varias compañías discográficas como Capitol o Fantasy. Su rasgo característico en los directos eran sus vestimentas, solían salir a escena ataviados con una capa similar a la que vestía el conde Drácula en sus películas.
Además de su gran clásico 'Psychotic Reaction' incendiario corte que parece estar inspirado en la versión del 'I'm a Man' que The Yardbirds a su vez hicieron de Bo Didley, hay otros temas de merecida escucha que aunque no eclipsan su tema emblema y por el que fueron incluidos en el ilustre Nuggets: Original Artyfacts From The First Psychedelic Era están a buen nivel. Como la locura inicial de 'Double-Decker Bus', la divertida 'They're Gonna Get You', 'Pretty Big Mouth' o la impresionante 'Peace Of Mind'. E incluso se atreven con los habituales covers de la época de grupos como The Who o The Beatles. Con todo, existen un montón de reediciones de las cuales la que yo tengo recoge además de los 11 temas que componen la versión original del álbum de 1966 siete bonus con canciones como 'Contrast','Declaration Of Independence', 'Mailman' o 'Teeny Booper, Teeny Booper' que tampoco tienen desperdicio alguno.
Como resultado del poco éxito cosechado finalmente los jóvenes músicos de The Count Five decidirían centrarse en sus estudios universitarios después de lanzar varios sencillos de nula repercusión. En 1987 la banda se reuniría en el One Step Beyond de Santa Clara, California en un único concierto que sería publicado como Psychotic Reaction Live. Pero como el periodista Lester Bangs hizo en 1972 publicando Psychotic Reactions and Carburetor Dung un artículo en el que atribuía unos cuantos elepés más a los garageros vampiros de San José, que solo estaban en su imaginación la banda ha dejado su impronta y recuerdo en aquellos que amamos los sonidos más rudos de los sesenta.
The Music Machine - 1966 - (Turn On) The Music Machine
Pues seguimos con garage rock del bueno para detenernos con The Music Machine, coetáneos de The Count Five y que también eran californianos aunque de Los Ángeles. Formados en 1965 y liderados por Sean Bonniwell comenzaron como The Ragamuffins para pasar a denominarse The Music Machine a partir del '66. Solían salir al escenario vestidos de negro y con un solo guante. Su música consiste en un furioso garage psicodélico con momentos casi punk y su primer y único LP como The Music Machine es historia viva del garage rock americano.
La máquina de música que debes tener en tu casa.
Los viscerales, por momentos, registros vocales de Bonniwell, las guitarras fuzzy, el marcado bajo y el habitual órgano Farfisa de la época dominando el terreno instrumental que otorgan a la banda su característica sonoridad. Cuando en 1966 publicaron el singleTalk Talk conseguirían alcanzar el puesto 15 del Billboard con su sonido proto punk. (Turn On) The Music Machine (Original Sound, 1966) está compuesto por doce temas casi todos con el sello compositivo de Bonniwell con la excepción de los cuatro covers que por presiones de la compañía debieron incluir y en los que se nota una pérdida total de personalidad y fuera de contexto.
El álbum es una auténtica gozada, un paseo garagero previo a la eclosión de la psicodelia en la que además de su hit'Talk Talk' encontramos otras joyas como la lisérgica 'People In Me' segundo single de MM, el sucio y trepidante sonido de 'Trouble' y 'Wrong', el garage psicodélico de 'Masculine Intuition' o temas más relajados pero de suma calidad como 'Some Other Drum' o la magnética 'Come On In'. Por otro lado encontramos las versiones exigidas de 'Cherry Cherry' de Neil Diamond que no pega para nada en el contexto del disco. Pero las infinitamente versionadas 'Taxman' de The Beatles y 'Hey Joe' no suenan nada mal como tampoco el cover de '96 Tears' de ? & The Misterians con órgano para dar y regalar.
Pero como la mayoría de las bandas de los '60 The Music Machine tuvo una corta existencia. Gracias a la pegada que habían logrado dentro de la escena, Warner Bros. confía en una segunda parte. Pero las aguas se enturbian y los conflictos internos provocan que la banda al completo abandone a Sean Bonniwell a mitad de grabación. Entonces Warner, que quiere ver el disco en las tiendas a toda costa, arregla que la banda pase a llamarse The Bonniwell Music Machine y lanzar el álbum. Pero alejado del garage y ahondando en un pop ecléctico que no caló entre crítica y público. Años más tarde un tercer disco titulado Ignition grabado en 1969 saldría publicado con los buenos de Sundazed Music así como algún recopilatorio y disco de rarezas.
Parece que aunque pasen los años y se sucedan los discos de esa vieja máquina de nombre Motörhead no nos cansamos de escuchar sus discos y alegrarnos cada vez que tenemos noticias de la publicación de nuevos temas. Y ello pese a no variar un ápice esa propuesta con la que consiguieron encandilarnos hace ya demasiados años, y a unas alturas de la historia que parece un quiero y no puedo, sobre todo en lo que a shows en directo se refiere, pero quizá sea por ello que merezcan más si cabe mis respetos en forma de reseña. Porque con el casi septuagenario Lemmy Kilmister a la cabeza y decidido a morir con las botas puestas llegaba el ya lejano 28 de agosto este Bad Magic, dos años después de su anterior Aftershock, en lo que supone su LP número 22 de estudio.
Don't tell me who I am, I don't give a damn
Después de saber de la dura decisión de Lemmy de tener que cambiar el whisky por el vodka por temas de salud uno ya se temía lo peor, pero afortunadamente Bad Magic ha espantado todos los fantasmas. A título personal le recomendaría que se dejase seducir por los influjos espirituosos del Nordés por aquello de ganar saudade... Humor a un lado, entremos ya de lleno en lo musical con este nuevo Bad Magic pero que bebe de los mismos derroteros que antaño y que demuestra que siguen pero que muy vivos. 13 temas que rondan los 3 minutos y en los que suenan tan punk e incendiarios como siempre y en los que Cameron Webb ha sabido exprimir a la banda para sacarles todo el jugo.
Pese a la delicada salud del señor Kilmister éste se desprende de ese bastón del que se acompaña últimamente para conseguir ese sonido sucio y gamberro como lleva haciendo más de 40 años.
Dame watioooooosss... Con la adrenalina por las nubes y al grito inicial de 'Victory Or Die' se abre el álbum a base de intensidad y ese rock guasón de los británicos en el que predican que solo tú decides lo que es correcto que tanto tiempo llevan explotando. Al estilo 'Aces Of Spades' llega el que fuera uno de los primeros adelantos 'Thunder & Lightning' con la banda en estado puro y para muestra el fan video del mismo. Sonido ochentero total en 'Fire Storm Hotel' con solo de bajo incluido. Le sigue la martilleante 'Shoot Out All Of Your Lights' de pegadizo estribillo con otro gran solo, aunque en esta ocasión a cargo de Campbell. Con 'The Devil' nos acercamos a lo que puede entenderse por medio tiempo con la reconocible colaboración de Brian May a las seis cuerdas. Lo siguiente, como indica su título, es simplemente electricidad concentrada en 2:16 con frases lapidarias como "electricity deep in your soul" o "you need a bolt of rock", sin duda de mis preferidas y con un buen video 'Electricity'. Y llegamos al ecuador del disco a ritmo setentero con 'Evil Eye' y ese halo oscuro que otorga el toque gutural del estribillo. El doble pedal de 'Teach Them How To Bleed' y su destacada instrumentación nos dirigen hacia el Lemmy más tierno de'Till The End' en la que por momentos no sé si es Lemmy o Yosi de Los Suaves quien canta, aunque claro el inglés y el auriense no se llevan. Preciosa y autobiográfica balada para demostrar que Motörhead no solo son decibelios. Vuelta al redil de la distorsión con la implorante 'Tell Me Who To Kill' y su adictiva parte final. Más cortes tipical motörhead aunque algo tenebroso con 'Choking On Your Screams' y su ritmo machacón. Irremediablemente nos acercamos al final de Bad Magic y es que la melódica 'When The Sky Comes Looking For You' indica que esto se está terminando con unos desarrollos de guitarra que pueden evocar por momentos a mis irlandeses favoritos Thin Lizzy. Y sí, era cierto lo del cover de 'Sympathy For The Devil' de The Rolling Stones que en un principio no me creía y que finalmente queda en la anécdota del LP, divertidocierre pero sin excesivo recorrido en el que Phil Campbell se atreve con el piano.
A Motörhead una cosa no se le puede negar: actitud, porque mantener esa actitud e identidad después de tantos años (aunque la voz rota de Lemmy sea patrimonio del heavy rock) es inaudito. Además ver y sentir como estos tíos viven para el rock, ganándose a gente tan dispar en lo que a gusto musical se refiere, no hace sino confirmar lo grande que es Motörhead, así que esperemos que el vodka consiga rejuvenecer su cuerpo porque su espíritu rebosa juventud a raudales.
Como ya había vaticinado hace un tiempo, la pandemia se ha extendido y la fiebre Kadavar sigue causando estragos a su paso con su esperado y tercer LP titulado Berlin. Porque el sopor del mes de agosto nos deparaba una alegría en forma de nuevo álbum de los teutones Kadavar. Y aunque la espera se hizo larga y tediosa, finalmente Berlin ha caído sobre los reproductores de todo buen hardrocker para refrescar unos anestesiados oídos veraniegos de pachangueo y chiringuitos.
Sonido añejo distorsionado: sie sind Kadavar
Si algo cabe resaltar de este nuevo esfuerzo de los barbudos alemanes es la más que notable baja del hasta ahora bajista de la formación Mamut, quien ha sido reemplazado por Simon Bouteloup alias Dragon y que sorprende bastante a tenor de lo cohesionados que estaban como banda. Y para ser sinceros, yo al menos, se echa en falta más presencia del bajo en muchos cortes. Por otro lado también se debe destacar el paso adelante que ha dado la formación manteniendo ese sonido pesado y analógico que les caracteriza pero con una producción más pulida, trabajada y un abanico de influencias más amplio. Es por ello que esa espontaneidad y frescura, recordemos que su anterior Abra Kadavar que nos reventó la cabeza a más de uno se grabó en apenas 10 días, ha dado paso a nuevos matices y temas más elaborados.
Este Berlin, tercer LP de la banda, y segundo ya con Nuclear Blast fue publicado el pasado 21 de agosto después de cuatro meses de intenso trabajo de estudio con TigerBartelt de nuevo como productor. El título del plástico hace mención y homenajea la influencia de la ciudad en la que se encontraron y formaron como banda, donde se empaparon de la cultura y del modo de vida que una ciudad como Berlin les podía ofrecer. También merece halagos esa lograda portada de aire vintage tan setentera y en la que el reflejo de las gafas de la modelo varía según como se coloque la galleta del vinilo.
La prontitud que tanto me agrada de Abra Kadavar deja paso en Berlin a canciones mucho más maduras y estudiadas en las que el power trio psych alemán siguen lanzando odas optimistas rebosantes de una energía infecciosa y lo que es más, sin renegar de sus influencias y con la distorsión por bandera.
Con estas 11 nuevas canciones Kadavar vuelven a reafirmarse como los deudores del retro rock más clásico con muchos decibelios y pesados riffs evocando nuevamente los momentos de locura y atropello instrumental de Blue Cheer, aunque dicho sea de paso, menos que en sus anteriores obras abriendo nuevos horizontes sonoros, algunos impensables hasta la fecha.
Adentrándonos ya en el álbum, parece que comenzar con 'Lord Of The Sky' es la mejor de las maneras de presentar credenciales por esos aires de clásico que desprende. La canción abre el LP a todo trapo con Lindemann dejando claro quién manda aquí sobrado de rudeza. 'Last Living Dinosaur' de influjo zeppeliano y segundo video del álbum, sirve a Kadavar para autoproclamarse como los últimos dinosaurios "huyendo" de estereotipos. 'Thousand Miles Away From Home' es sin dudas una de las que merecen una especial mención por ese sutil halo melancólico-psicodélico instrumental potente pero contenido, y en el que Lindemann evoca inequívocamente al mejor Ozzy Osbourne. Para 'Filthy Illusion' vuelven al modo crucero hard rock por lo que 'Pale Blue Eyes' gana puntos. Y si era evidente que en Berlin la banda da más importancia a las melodías, este 'Pale Blue Eyes' es buena muestra de ello mientras Lupus Lindemann sigue con sus hirientes punteos. 'Stolen Dreams' tiene un ritmo muy, pero que muy, machacón y pesado sin aportar demasiado. La pegadiza 'The Old Man' el que fuera primer adelanto, nos regala alguno de los mejores momentos de Lupus entre ritmos stoner y otros más melódicos. 'Spanish Wild Rose' vuelve a sacar a la banda de sus habituales derroteros para mostrar la variedad y madurez alcanzada en lo que podríamos catalogar de medio tiempo. Los Kadavar más accesibles y comerciales los encontramos en 'See The World With Your Own Eyes', otro gran corte psicodélico y una declaración de principios sobre la existencia. El blues rock de 'Circles In My Mind' allana el camino hacia 'Into The Night' un crudo heavy rock que nos acerca al final del disco. Pero sin dudas, la gran sorpresa del plástico la encontramos en el bonus 'Reich Der Träume', un cover de Nico y cantado en alemán que dejará a más de uno ensimismado. Una balada larga introducida por uno teclado envolvente en un viaje sonoro psicodélico repleto de misticismo para cerrar el LP.
Kadavar siguen ganando enteros disco a disco con mucha credibilidad, pero lo que realmente atrapa de este Berlin es que crece a cada escucha y va calando más esa fiebre Kadavar con canciones más elaboradas pero igualmente adictivas que antaño. Y sí, probablemente hay propuestas de más calidad pero es que estos tíos tienen algo que hipnotiza y les hace especiales y por ello yo seguiré inoculándome sus elepés cuando tenga la oportunidad.
Ya va siendo hora de despedirse del single summer ahora que el verano toca a su fin y que mejor manera de hacerlo que con uno de los más grandes masters del rock que Neil Young. Y antes de dejar atrás el estío y regresar a la rutina lo que procede es cerrar el círculo rindiendo pleitesía a este 'Ohio' de CSN&Y que va a llenar de protesta política el blog con su carácter de símbolo del movimiento pacifista.
Ohio: 67 balas y 13" de desesperación
La composición de 'Ohio' fue obrada por Tito Neil a raíz de la masacre de la Universidad Estatal de Kent acaecida el 4 de mayo de 1970 y en la que 4 estudiantes fallecieron por los disparos de la Guardia Nacional en el curso de una manifestación protesta contra la invasión yankee de Camboya. Young escribiría la letra reflejo de la indignación predominante después de ver las fotos de la masacre en la revista Life solo unos días después de la tragedia. Una letra escueta y directa donde la dureza y la emoción se apoderan del oyente como lo haría del mismísimo David Crosby cuando la escucho por primera vez.
En lo referente a su sonido, 'Ohio' bebe del influjo de la Crazy Horse, una sociedad que acababa de dar sus primeros frutos con Everybody Knows This Is Nowhere, con el añadido de esas cuatro voces fusionadas y repletas de sentimiento de CSN&Y.
El éxito de 'Ohio', himno hippie de los '70, se convertiría en un arma de doble filo para la banda, por un lado se convertirían en valientes portavoces para la contracultura por su mensaje pacifista pero por el otro sufrirían la censura de algunas radios por culpar explícitamente al presidente Richard Nixon, aunque las "radios ilegales" se encargaron de difundirla.
La grabación de Ohio se llevaría a cabo en el mes de mayo del '70 en los Record Plant Studios de Los Angeles y publicado en el mes de junio con 'Find The Cost Of Freedom' de Stephen Stills como cara B del sencillo.
Debido a la desbandada de CSN&Y para comenzar o proseguir sus respectivas carreras en solitario ambos temas no se reflejarían, en su versión de estudio, en ningún LP hasta la publicación del recopilatorio So Far del '74 aunque ya habían sido incluidas en el directo 4 Way Street del '71.
Y sin dejar el verano del amor hoy toca un auténtico himno hippie y de la contracultura de la mano de un recordado one hit wonder como Scott McKenzie y su oda flower power a San Francisco. Publicada en el que se conoce como el Summer Of Love, el tema se convirtió en todo un icono cultural e himno del movimiento hippie. Una canción que aunque le alzó a lo más alto se convertiría en una losa que terminaría pesando demasiado ya que su figura como icono del movimiento le hacía sentir bastante incómodo.
El hit de Scott McKenzie, 'San Francisco (Be Sure To Wear Some Flowers In Your Hair)', fue escrito por su amigo y guitarrista John Phillips (se dice que en unos 20 minutos) de The Mamas & The Papas y cantada por el músico de Jacksonville como solo él sabía. La canción, que formaba parte del disco The Voices Of Scott McKenzie, sería publicada el 13 de mayo del '67 con 'What's The Difference' como cara B del single con el sello Ode Records y convirtiéndose en un éxito instantáneo.
Con John Phillips y Lou Adler como productores 'San Francisco (Be Sure To Wear Flowers In Your Hair)' sería utilizada para publicitar el Monterey Pop Festival de junio de ese año que ellos organizaban y que llegaría a concentrar a más de 200000 personas con el reclamo de artistas de la talla de Jefferson Airplane, The Who, Big Brother & The Holding Company, Canned Heat, Otis Redding o The Jimmy Hendrix Experience.
En la grabación del tema además de McKenzie y Phillips a la guitarra estaban acompañados de reputados músicos de sesión. Para la letra Phillips se inspiraría en la afluencia masiva de jóvenes que se estaba produciendo en el distrito de Haight-Ashbury del Frisco a mediados de los '60 como capital cultural y ventana de la contracultura hippie mientras que McKenzie pondría su suave voz al servicio de la posteridad. Al mismo tiempo la canción fue toda una inspiración para muchos jóvenes para reconsiderar los valores de una sociedad anticuada y belicista en busca de una regeneración del sistema con la paz, la libertad y el amor como bandera.
Pese a rechazar unirse a The Mamas & The Papas en la década de
los '60 en pos de una carrera en solitario de la que saldrían dos elepés y un buen puñado de canciones, finalmente acabaría haciéndolo en los
'80 después de haber compartido giras a lo largo de los años y haber arrastrado la sombra de su gran éxito. Un éxito bastante versionado y que hasta Led Zeppelin solían tocar en directo en sus primeros tiempos.
Una canción tan especial en la que es inevitable que un escalofrío nostálgico se apodere por completo de uno anhelando haber vivido no solo la canción si no la época y el contexto social en la que se desarrolló...
... y mientras dure el verano sigamos destripando singles. Esta semana vamos con una banda que idolatro pero que por desgracia no conseguiría ocupar el puesto que por calidad se merecería dentro del olimpo sesentero. Y es que para muchos Love como banda y con Arthur Lee como baluarte ha trascendido con el paso de los años más como el instigador a Elektra para la contratación de The Doors que por esos discazos de pop ácido que facturaron a mediados de los '60.
Y aunque he de reconocer que me ha costado más de la cuenta decidirme por un single, finalmente el afortunado ha sido este ¡Que Vida! por esa sensación de armonía que irradia. Porque entre los grandes discos de la banda, hay uno que me tiene bastante enganchado últimamente, hablo de Da Capo y las siete maravillas que lo componen (aunque el disco como tal me lo guardo para un poco más adelante), asique recordemos y honremos a los angelinos con este ¡Que Vida! que sería el tercer sencillo del LP.
'¡Que Vida!' se grabó el 28 de septiembre del '66 en el que era el segundo día de grabación de las sesiones de Da Capo en los RCA Studios bajo la supervisión de Paul Rothchild y Jac Holzman, casi nada.
Publicado en marzo del '67 como tercer single, la canción escrita por Arthur Lee y con título en castellano nos ofrece la edulcorada voz de un Lee que nos lleva por un ácido recorrido por su mente abarrotada de imágenes y palabras con multitud de efectos de sonido y Alban "Snoopy" Pfisterer estelar al órgano.
La cara B del single sería la versión de 'Hey Joe' que la banda ya habían incluido en su primer disco, que aun siendo una buena adaptación dista bastante de la sutileza que desprende '¡Que Vida!'.
Seguimos con otro single que está de 50 aniversario como Like A Rolling Stones, solo que éste procedente del otro lado del Atlántico y de la mano de una de mis mayores debilidades, Small Faces y su Whatcha Gonna Do About It. Y si hablamos de Small Faces siempre me ha atraído más su etapa Immediate pero no podía obviar uno de los singles con el que conseguirían darse a conocer cuando eran unos pipiolos que hacían del mod una forma de vida.
La banda formada por Steve Marriot, Ronnie Lane, Kenney Jones y Jimmy Winston reemplazado por Ian McLagan en 1966, lanzaría después de apenas unos meses como banda su primer single. Contratados por Don Arden a razón de unas 20£ semanales y cuenta en una tienda de ropa este no tardaría en conseguirles un contrato con Decca Records para grabar su primer sencillo. 'What'cha Gonna Do About It' sería publicado el 6 de agosto de 1965 iniciando una más que prometedora carrera. Abrazando los sonidos más poperos de sus inicios entre el R&B y el mod, unos jovencísimos Steve Marriot y Ronnie Lane presentaban credenciales en una escena británica que vivía sus días de gloria destacando además de por lo musical, por su cuidada vestimenta mod.
Marriot y Lane se inspiraron en el 'Everybody Needs Somebody To Love' de Solomon Burke para la melodía mientras que para la letra contaron con la colaboración de Ian Samwell de The Drifters.
El tema sería incluido en su primer LP, Small Faces de 1966, junto a otras canciones como el que sería su tercer y exitoso single, el hit 'Sha-La-La-La-Lee', primero con Ian McLagan y que alcanzaría el número tres de los charts británicos, redimiéndose de las malas sensaciones dejadas por el segundo y fallido singleI've Got Mine; y otras como 'E Too D', 'It's Too Late' o el cover de Sam Cooke 'Shake'.
Don Arden apostaría fuerte por Small Faces gastándose unas 12000£ en asegurar que 'Whatcha Gonna Do About It' tuviese éxito en las listas, algo por otro lado, bastante habitual en aquellos años.
En esta campaña estival de singles estaba claro que fuera como fuese no podía faltar Like A Rolling Stone. Y es que el pasado mes de julio se cumplieron 50 años de la publicación de uno de los sencillos más emblemáticos de la historia por parte del insustituible Bob Dylan. Porque no solo se convertiría en el mayor hit del señor Zimmerman sino en una de las canciones más influyentes e importantes del rock.
Once upon a time...
El 20 de julio de 1965 se ponía a la venta Like A Rolling Stone grabado en los estudios de Columbia Records de New York y tan solo unos días antes del Newport Folk Festival cuyo viraje hacia un set eléctrico daría mucho de sí con la famosa traición eléctrica que los folkies tardarían en olvidar.
Acostumbrados a un Dylan con el folk y la canción protesta como bandera, cuando decidió electrificar su propuesta, éste desafió y rompió los esquemas del folk
y la música popular que tanto dominaba para detonarlo todo eléctricamente y
presentar los vientos de cambio que se avecinaban en el rock.
Pero este 'Like A Rolling Stone' ya venía precedido
por Bringing It All Back Home de marzo del '65 que inauguraba el camino del cambio
con su cara A eléctrica ('Subterranean Homesick Blues' o 'Maggie's Farm') y trayendo consigo la
innovación y una nueva etapa musical culminada con Highway '61 Revisited
y el doble Blonde On Blonde que cerraría la tripleta mágica.
El tema, que se hallaba en su sexto álbum Highway 61 Revisited, fue el primer single del LP con 'Gates Of Eden', de su anterior Bringing It All Back Home, como cara B.
'Like A Rolling Stone' marcaría la ruptura, un antes y un después dentro de una sociedad que buscaba encontrarse entre guerras y conflictos varios con una letra llena de resentimiento que Dylan compondría después de una gira desconectado por UK en su casa de Woodstock y hastiado de su papel como profeta folk.
La canción está marcada por el riff garagero de Hammond de Al Kooper (cuya participación al órgano sería fruto de la casualidad), un contenido Mike Bloomfield a la guitarra y la interpretación cínica e incisiva de Bob Dylan.
La desafiante canción supuso un quebradero de cabeza para los mandamases de Columbia, quienestenían dudas ya no solo por su sonido rockero sino también por sus más de 6 mins de duración lo que suponía la antítesis del single convencional. Aunque, como no podía ser de otra forma, Like A Rolling Stone se convertiría en un éxito encaramándose al número 2 de las listas de éxitos de US solo superado por la enfermiza adicción americana por The Beatles y su 'Help!' publicado solo un día antes.
Cuando hace unos meses hacía la reseña de Lust For Life sabía que dentro de la campaña veraniega de sencillos de este año no podía faltar de ninguna de las maneras Success. El que fuera primer y único single del LP, contenía en su cara B una de las canciones de mi top ten particular, este 'The Passenger' que hoy desgrano.
En una época donde los influjos de Bowie pesaban demasiado, la iguana consiguió ponerse en pie para facturar un discazo como Lust For Life durante su exilio berlinés y demostrar que no se le había olvidado ser el gamberro de antaño. Y aunque 'Success' era un buen tema y sobradamente divertido, la verdadera joya estaba en la cara B. 'The Passenger' es hipnótica, una de esas canciones que no te puedes quitar de la cabeza durante días. El riff principal y la forma de cantar de Iggy Pop hacen de él un tema único e ideal para reproducir en bucle una y otra vez.
La canción fue escrita por Iggy mientras viajaba en el metro berlinés y completada con la inspiración de un poema de Jim Morrison. Su decadente letra refleja el espíritu nómada y solitario punk, y en la que tendría bastante que ver su etapa en The Stooges. La grabación original contaba con el Bowie más controlador a los coros como punto de apoyo. La música fue escrita por Ricky Gardiner, el guitarrista contratado para las sesiones del álbum, quien había improvisado las notas del tema en su casa y decidió enseñársela a Iggy y Bowie cuando le pidieron material para el disco. Serían muchas las versiones del tema así como un tema recurrente tanto para películas como anuncios televisivos a lo largo de los años, lo que habla bien de cómo ha envejecido el pasajero de Iggy.
En plena época estival, y como viene siendo habitual, para mantener activo el blog nada como refrescarse con algún que otro sencillo que tenía guardados en la chistera. Y para comenzar el baile que mejor que esta masterpiece desbocada de Johnny Thunder titulada I'm Alive y recientemente rescatado de nuevo televisivamente.
Johnny Thunder (no confundir con el Johnny Thunders de los punk-garagerosNew York Dolls), de nombre original Gil Hamilton y nacido en Florida comenzaría cantando en la iglesia y en las calles de su natal Leesburg. A finales de los '50 se movería a New York donde se uniría a la banda The Drifters y participaría en musicales. Thunder conseguiría con tesón y esfuerzo convertirse en una estrella del R&B americano de los '60 aunque eclipsado por voces como la de James Brown. Su mayor hit llegaría en 1963 con 'Loop De Loop' (una canción tradicional para niños también conocida como 'Looby Lou') después de publicar numerosos singles bajo el auspicio de pequeños sellos. Pero sería este furioso 'I'm Alive', originalmente grabada por Tommy James & The Shondells en su disco de 1969 Crimson & Clover, el que merece comer a parte. La revisión de Thunder repleta de distorsión y despidiendo la psicodelia con su voz soul enrabietada aplastarían a la original y a las venideras versiones.
En días calurosos como estos nada como ponerse a buen recaudo del sol y refugiarse bajo los influjos de algún buen disco para saciar el tedio del calor. Y puestos a ello porque no echar el guante a lo nuevo de Neil Young un tío que camina a su bola en esto de la música haciendo lo que más le place en cada momento. Porque con este genio no hay descanso que se precie apriete o no el calor y si es para degustar manjares como este que se viene por mí que no pare la cosa. Y es que al bueno de Young no hay quien le frene pese al paso de los años entre versiones bien sea con Crazy Horse como banda de apoyo (Americana) o en acústico encerrado en una cabina del '47 (A Letter Home), psicodélicas obras maestras (Psychedelic Pill) o rodeado de una orquesta de más de 90 músicos (Storytone) en el que hasta la fecha era su última publicación. Pero ahora un nuevo cambio de registro con The Monsanto Years y su feroz crítica político-ecologista a los transgénicos enfocada sobre la multinacional estadounidense Monsanto proveedora de productos químicos para agricultura principalmente, aunque tampoco se libran otras compañías como Starbucks, Walmart o Chevron.
It's a new day for the planet Young!
La verdad es que a estas altura del juego Neil Young, que nunca lo hizo con tantas y tantas canciones, no iba a morderse la lengua porque tampoco tiene nada que demostrar y nunca está demás abordar verdades como son todo lo que nos intentan vender haciéndonos pasar por estúpidos, no solo en cuanto a lo que comemos si no en general ver como nos manipulan desde todas partes. Y sí, como no, yo soy uno de los que practica eso del ecologismo a mi manera con mi huerto urbano y demás, pero cómo todos acabo pasando por el aro más de lo que me gustaría...
De regreso al disco he de decir que después del subidón de Psychedelic Pill ya echaba en falta que Young volviese a electrificar su sonido y por fin, y con el trasfondo de álbum conceptual como bandera, lo ha vuelto a hacer para mí alegría, y vaya como lo ha hecho. Y pese a que no sean mis admirados Crazy Horse tampoco es que se haya buscado malos compañeros de fatiga en los hijos de Willie Nelson, Lukas y Micah a los que hay que añadir Promise Of The Real, banda de Lukas Nelson.
Este The Monsanto Years comenzó a fraguarse a finales del año pasado después de que Tito Neil decidiese tirar de agenda para proponer a los hermanos Nelson colaborar en su nuevo proyecto. Como no podía ser de otra manera, estos aceptaron y a comienzos de este 2015 comenzarían los ensayos y posterior grabación del mismo en el teatro Oxnard de California.
Por encima de las letras y su controversia panfletaria para algunos, lo
cierto es que el disco se hace divertido y descarado, en lo que sin
dudas tuvo que ver el ser grabado en directo en el propio teatro. Con muchos paralelismos musicales a algunos de los grandes discos del canadiense
y sus rabiosos fraseos bajo la distorsión y el empaque de una banda a
su servicio, parecen olvidados sus momentos sinfónicos y de encierro
acústico, que sin ser prescindibles no están entre mis elegidos.
En lo que se refiere a las canciones propiamente, no nos vamos a encontrar con otro de sus hits antológicos que a todos se nos vienen a la mente, porque más bien es un disco de conjunto que fluye sin demasiados sobresaltos, que haberlos hainos, pero que no puede dejar a nadie indiferente. Pero no toca resaltar, así que comenzamos con la que abre la lata, la desesperanzadora 'A New Day For Love' y su pesada instrumentación. Momento delicado con la folkie'Wolf Moon' subidos a la armónica. Regreso a la intensidad máxima con 'People Want To Hear About Love' cuyo estratosférico riff (Fogerty?)y el sonido a lata de la enardecida batería me retrotraen a sus mejores momentos. Y si mi subconsciente todavía estaba perdido en otras épocas, 'Big Box' ayuda más bien poco y me lleva directamente a Talbot, Sampedro y Molina y a esos momentos de esparcimiento de Young con sus viejos camaradas. Tema largo e intenso, excepcional, probablemente el emblema del disco y auténtica marca de la casa. Vamos ahora, después de la extenuación, con el que fuese el primer adelanto de este The Monsanto Years: 'A Rock Star Bucks A Coffe Shop' donde los silbidos edulcoran la sátira contra Starbucks y Monsanto. Regreso a lo rústico a golpes de guitarra con 'Workin' Man' y sus retazos country enfurecido. Momento de bajón con la lentitud de 'Rules Of Chance' en el que el falsete se apodera de los altavoces y destaca por ser de lo más prescindible del elepé sin lugar a dudas. Se acerca el final y llegamos a la que puede considerarse como el eje vertebrador sobre el que gira el álbum. 'Monsanto Years' nos trae de nuevo al Neil Young de siempre explayando su crítica a lo largo de los más de 7 minutos y una más que adecuada instrumentación. Y como se suele decir, lo bueno siempre se acaba y con 'If I Don't Know', un hermoso medio tiempo, llegamos al final de The Monsanto Years, el treinta y no sé qué LP de estudio del ogro canadiense que tanto me hace disfrutar.
Neil Young está de vuelta con 9 canciones como 9 radiantes soles como el que arrasa estos días sacando esa faceta protestona que le gusta conceptualizar en forma de LP ya sea antibélico, ecologista o sobre la tierra. Está de vuelta a la esencia desbocada del caballo loco con ruido y distorsión, bajo la canción protesta y la voz nasal de siempre pero que no aburre. Y está de vuelta con un disco que a cada escucha me engancha y gusta más evocándome por momentos, y salvando las distancias, a ese Psychedelic Pill que me dejó absorto en su día, reafirmando que aunque pasen los años siempre nos quedará Neil Young y su alma rocker.
Mientras sigo deshojando la margarita de aquellas bandas imprescindibles que quedan por pasarse por el blog, ya tocaba arrancar uno de mis pétalos preferidos con un LP que sin duda se encuentra en el olimpo de los mejores discos debut de la historia. Desde la margarita hippie psicodélica de finales de los '60 llegan para quedarse en mi pequeño universo de ocio rockanrolero los inigualables The Doors y su primer larga duración publicado en 1967.
En medio de ese clima de rebelión de la contracultura contra los rancios valores y el sistema de mediados de los '60 eclosionaría uno de los hitos más significativos de la contracultura y la escena hippie en la figura de Jim Morrison y The Doors. Formados a mediados de los sesenta por cuatro estudiantes de cinematografía de la universidad de UCLA, sus orígenes se remontan al encuentro entre Jim Morrison y Ray Manzarek en la playa, donde el primero le leería la letra de 'Moonlight Drive' e inmediatamente Manzarek le estrecharía la mano emplazándolo a formar una banda para hacerse millonarios.
Lo cierto es que Ray tenía una banda con sus hermanos llamada Rick & The Ravens en la que se integrarían John Densmore y un Morrison que provocaría la huida de los hermanos Manzarek. Esta fue la oportunidad para completar el line up con el reclutamiento del guitarrista Robby Krieger, quien era compañero de Densmore en The Psychedelic Rangers, conformando la formación clásica de los californianos. Y todo ello pese a la carencia de un bajista, la cual llenaría Ray encargándose de desarrollar esa labor tocando las partes bajas con su mano izquierda en su órgano, si bien en ocasiones contaban con un músico de sesión para ello.
El nombre de la banda tiene su origen en algunas frases del artista inglés William Blake del tipo "There are things that are known and things that are unknown, in between are the doors"en las que buscaba inspiración un Jim Morrison quien además de ser un amante de la música era un devorador de libros.
El extraordinario sonido y teatralidad de The Doors se sustentaba en el órgano del gran Ray Manzarek con su educación clásica y su gusto por el blues y el jazz junto a las poéticas letras y la gran interpretación de Jim Morrison que les llevaría a tocar regularmente en el Whisky a Go Go a partir de mayo del '66. El líder de Love, Arthur Lee, con quien ya habían compartido escenario, recomendaría encarecidamente su fichaje a Elektra Records. De este modo y después de un breve paso por Columbia que no llegaría a fructificar, Jack Holzman presidente y fundador de Elektra cedería a la insistencia de Lee acudiendo a un par de bolos de TheDoors cayendo prendido a sus encantos. Y es que entre tanto colorido surgiría una banda que abordaba temas más escabrosos u oscuros en unas letras en contraste directo con su melódica instrumentación.
La música de The Doors nunca se debe encasillar solo como psicodelia porque en su sonido convergen retazos de pop, rock, jazz y sobretodo blues bajo esa esfera poética-espacial que imprimía el Rey Lagarto, las melodías hipnóticas esparcidas por el órgano de Manzarek, los solos de Krieger y Densmore marcando los tempos y adaptándose a lo que las canciones necesitaban tocando distintos registros. Estamos por tanto ante grandes instrumentistas difuminados por las letras y la voz del gran poeta ácido que encarnaba Jim.
Grabado en los estudios Sunset Sound californianos en agosto del '66, The Doorssería publicado a inicios de mayo del año siguiente con Paul A. Rothchild y Bruce Botnick como productor e ingeniero respectivamente. Rothchild contrataría al bajista Larry Knechtel como músico de sesión para que dotase de mayor fuerza y empaque el sonido de la banda en algunas canciones como la archiconocida 'Light My Fire' liberando de esas labores a Ray Manzarek para que pudiese explayarse.
The Doors se convertiría en todo un éxito alcanzando el número 2 del Billboard 200 solo por detrás del 'Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band' y todo pese a la censura que acompañaría a alguna de sus canciones por parte de Elektra. Convertidos en estrellas repentinamente y con ventas millonarias The Doors se guardaban algunas balas para sus próximos elepés con el aprendizaje adquirido en su idílico debut.
Entrando ya de lleno en este maravilloso homónimo lanzamiento de The Doors lo suyo es seguir un orden ya que en el no hay nada desechable. Por ello y abriendo la cara A nada más y nada menos que para presentar a la banda en su apogeo: el primer hit'Break On Through (To The Other Side)' que goza de ser su primer tema publicado y con él dice ser que cerrarían su último concierto en New Orleans antes de la muerte de Jim Morrison unos meses más tarde. Lanzado como single enero de 1967, con 'End Of The Night' como cara B, estaría empapado en polémica por su repetido "She get's high" al ser considerado por la compañía como una clara alusión a las drogas y omitiendo en las mezclas finales la palabra high si bien a día de hoy suena más enérgico y high que nunca. Turno para 'Soul Kitchen' y bajar la intensidad hasta que llega su explosivo estribillo. La canción es una oda al romanticismo y su contradictoria lucha entre el irse pero querer quedarse. La hermosa balada 'The Crystal Ship' por la cual se le comparó con Frank Sinatra aunque rocker serviría de cara B de su segundo single. Le sigue 'Twentieth Century Fox' con su provocativa letra y sus marcados aires pop. Y después del pequeño bajón, vuelta a los grandes temas para encarar ya el final de la primera parte del álbum con los circenses aires de 'Alabama Song (Whisky Bar)'. Tema divertido y sorprendente que no es sino una adaptación de un tema de Bertolt Brecht y Kurt Weil de ópera!!! Lo cierto es que la instrumentación de la canción con el uso del marxophone y la voz de Jim revoloteando la hacen un tanto curiosa a la par que adictiva. Y ya para completar la cara A, el clásico entre clásicos 'Light My Fire' cuyo lanzamiento en single paso de los 7 a los 2 minutos largos para
adaptarlo a las radiofórmulas. Compuesta por Robby Krieger intentando imitar la fórmula de Morrison sería su catapulta al éxito tras su publicación como single en mayo de 1967. Es probablemente uno de sus mejores temas donde salta a la palestra la vena más
vital y enérgica de The Doors con su espídico desenfreno. Además 'Light My Fire' les costaría su expulsión de por vida del programa de Ed Sullivan al no acceder a cambiar ese controvertido "girl, we couldn't get much higher". La sección instrumental del tema es simplemente increíble con ese bajo doblado, la intro mastodóntica e hipnótica de Manzarek y Krieger desatado regalándonos alguno de los mejores solos del plástico. Resulta imposible entender esa ridícula manía de que las radios obviasen temas como este si no fuese por su versión reducida del single, en fin...no comment.
Tras tremendo trallazo y retomada la compostura asaltamos la cara B a golpes de blues con el cover de Willie Dixon'Back Door Man' y que grabaría Howlin' Wolf en 1960. Turno ahora para 'I Looked At You' y volvemos a uno de sus temas favoritos como es el amor, dado como algo instintivo e irremediable bajo los influjos de los sonidos más poperos. Se hace la oscuridad con la misteriosa 'End Of The Night' y su billete para un viaje a la medianoche. Penúltimo corte ya, 'Take It As It Comes' que entre ese rock rápido entrelazado por Krieger y Manzarek pregona un enérgico keep calm que Jim acabaría rehusando practicar. Y llega el momento de cerrar el LP con la apropiadamente titulada 'The End'. Una pieza progresiva, sombría y apocalíptica de carácter épico y un tanto perturbadora. Sus más de 11 minutos de la canción me transportan al clímax más inusitado entre líneas que pasan por la muerte o el sexo con una pobre instrumentación sobre la que se acomoda Morrison y su poesía. La controvertida letra con
el complejo de Edipo recitado por Jim en su parte más experimental final sería la causante de su despido del
Whisky A Go Go cuando la interpretaron por primera vez. 'The End' tambien sería censurada y editada por sus ya famosas y repetidas alusiones de la palabra fuck.
Considerado uno de los elepés más influyentes de la psicodelia y encumbrado a obra maestra, The Doors situará a la banda en lo más alto con un frontman que no acataba las normas que el mismo se ponía, rebelándose ante todo y poseído por su propia poesía que le arrastraba al otro lado, arrastrando tras de sí a una legión de seguidores que ansiaban ser como él. Y todavía lo que quedaba por revelarnos...
The Doors:
Jim Morrison - Vocals
Ray Manzarek - Organ, Piano, Keyboard Bass & Marxophone
